Insolite Note

The Turtles e... Canzonissima '68

2011-05-04T20:21:00.008+02:00

Ovvio, non vi parleremo dei Ninja, ma di una band della quale vogliamo prima di tutto segnalarvi un componente leggermente fuori dagli schemi, che ci rende di colpo l'intero gruppo molto più simpatico: guardate la foto qui a destra ed indovinate a chi ci riferiamo! :)
Contemporanei ai Beatles (con i quali condivisero anche l'anno di scioglimento, il 1970), i Turtles aderirono pienamente agli usi e costumi di molte band anni '60, scegliendo il nome tra la fauna più comune... le Tartarughe appunto.
Vale la pena ricordare almeno un paio di loro pezzi che lentamente ma inesorabilmente sono entrati a far parte della memoria musicale collettiva...
Il primo successo fu "Happy Together" con cui, nel 1967, riuscirono nell'impresa di raggiungere il primo posto delle classifiche americane scalzando addirittura proprio i Beatles con la loro "Penny Lane".

Happy Together - The Turtles

Per quanto riguarda invece la seconda canzone, "Elenore", gli italiani (come al solito "privilegiati") furono costretti ad apprezzarne inanzitutto (ma potremmo dire esclusivamente) la versione italiana, con testo scritto da Franco Migliacci, portata al successo da Gianni Morandi.
Stiamo parlando ovviamente di "Scende la pioggia", con cui il "ragazzo che amava i Beatles e i Rolling Stones" vinse appunto Canzonissima nel 1968.
Sta a voi ora giudicare quale sia tra le due, la versione migliore... noi non abbiamo dubbi: quella di Gianni Morandi! :)

Elenore - The Turtles

Scende la Pioggia - Gianni Morandi

Insolito Live... George Harrison

2011-03-11T08:30:00.009+01:00

In questo nuovo piccolo spazio del blog andremo a rivedere quei concerti che hanno segnato per sempre la storia della musica, quei grandi eventi del tutto "insoliti" appunto, che in un modo o nell'altro hanno contribuito a rendere immortali proprio gli stessi grandi interpreti che ne furono protagonisti.
Iniziamo allora prendendo in esame uno dei primi storici live ad avere una risonanza mondiale: il Concerto per il Bangladesh.
Fu realizzato a scopo benefico dal grande chitarrista dei mitici Fab Four, George Harrison, e si tenne al Madison Square Garden di New York, il 1° Agosto del 1971.
Harrison, reduce dallo scioglimento dei Beatles avvenuto ufficialmente l'anno prima, accolse l'invito del suo amico indiano, eccezionale genio del sitar, Ravi Shankar che lo mise al corrente dei gravi problemi che affliggevano le popolazioni di quelle terre.
Organizzò dunque questo memorabile evento chiamando a raccolta altri nomi illustri del Rock internazionale, tra cui Ringo Starr, Leon Russel, Billy Preston, Bob Dylan ed Eric Clapton.
L'esibizione di quest'ultimo in particolare, in coppia con lo stesso Harrison, è quella che vi proponiamo nel video di oggi, perché di sicuro costituì la perla di tutto il concerto.
La canzone che venne eseguita fu la splendida "While My Guitar Gently Weeps", uno dei più bei pezzi dei Beatles, scritta proprio da George Harrison e inclusa nel mitico "White Album".
Mentre Ringo Starr li accompagnò alla batteria, risultò naturale che ad eseguire l'assolo del pezzo dovesse essere proprio Clapton, in quanto già nella versione originale del disco, proprio lo stesso Slowhand era stato chiamato a fare il medesimo lavoro.
E nonostante fosse alquanto provato dal grande abuso di droghe che proprio in quegli anni gli causarono gravi problemi, lo spettacolo fu comunque leggendario!

While My Guitar Gently Weeps - Concerto per il Bangladesh (1971)

George Harrison ed Eric Clapton furono molto amici anche nella vita (arrivando persino a "dividersi" la moglie, Pattie Boyd, che dopo otto anni di matrimonio con il chitarrista dei Beatles, nel '74 lo lasciò proprio per il suo amico!).
Ed anche quando purtroppo Harrison morì per un tumore al cervello il 29 novembre del 2001, fu proprio Clapton a voler organizzare (e a dirigere artisticamente) un concerto in sua memoria, ad un anno esatto dalla sua morte.
E fu naturalmente anche questo, uno show memorabile, tenutosi al Royal Albert Hall di Londra, al quale presero parte tra gli altri, gli stessi Beatles superstiti, Paul McCartney e Ringo Starr, oltre che Billy Preston ed il figlio di George Harrison, Dhani (davvero impressionante tra l'altro la sua somiglianza col padre!).
Non possiamo fare a meno di proporvi quindi, almeno un paio di pezzi estratti da questo straordinario live: in particolare una bellissima versione di "Something" (altro capolavoro dei Beatles scritto da George Harrison) con la parte iniziale suonata con l'ukulele, e di nuovo la commovente e sempre splendida "While My Guitar Gently Weeps", impreziosite questa volta anche dalla presenza di un grande Paul McCartney...

Something - Concert for George (2002)

While My Guitar Gently Weeps - Concert for George (2002)

La Maledizione dell'Ariston

2011-03-03T11:06:00.008+01:00

...E per la serie Questo matrimonio non s'ha da fare... anche quest'anno il palco dell'Ariston non ha "potuto" ospitare la performance del Pirata Morgan! Sembra quasi che si tratti di due forze opposte che non riusciranno mai, per un motivo o per l'altro, a congiungersi beatamente... Niente da fare! Infatti dopo l'esclusione all'ultimo momento dell'anno scorso, quando i dirigenti della Rai pensarono bene di fare a meno dell'ex leader dei Bluvertigo, a causa dell'ormai nota intervista rilasciata da quest'ultimo, anche nell'ultima edizione il mitico Pirata non è approdato a Sanremo, nella serata dedicata ai duetti, a causa della prematura eliminazione della "compagna", la bionda Patty Pravo, che aveva preannunciato lo scoppiettante duetto, nel caso di passaggio del turno. E invece il nulla! Ad onor del vero, però, occorre ringraziare proprio la signorina Strambelli, principale artefice della sua stessa eliminazione, già la prima serata del Festival..... La bionda Patty infatti, ha deciso di presentarsi all'Ariston proponendo una lingua tutta sua... Una serie di neologismi di difficile, pardon, incomprensibile decifrazione... E, cosa ancora più grave, nè il pubblico in sala nè quello da casa era stato fornito di un apposito libretto per l'interpretazione del testo, stile opera nei teatri! Che la colpa sia da imputare all'esubero di silicone di cui la Pravo ormai è una fedelissima, lo si sapeva già... Ma il dubbio è se quest'ultimo, appunto, oltre che intervenire sui muscoli facciali dell'ex ragazza del Piper, non stia pian piano traslocando addirittura sulle stesse gengive della Strambelli nazionale, inducendoci a premettere, nostro malgrado, l'appellativo di Ex al sostantivo cantante!
Troppo cattivi? Forse... Magari è anche il dispiacere per non aver assistito a quel duetto che già pregustavamo con abbondante dose di acquolina!
Peccato, peccato davvero! Menomale che a volte le radio fanno anche del bene, e difatti in questi giorni il duo Pravo-Morgan viene proposto e riproposto, permettendoci di assaporare, anche se con ritardo, quello che di buono ci hanno "sottratto" nella settimana sanremese!
Forza Morgan allora... E diciamolo pure, il Pirata col ciuffo ha dato tanto, tanto in più a questo pezzo, Il vento e le rose, rispetto alla versione originale della sola Patty... Canzone resa più piacevole anche per il fatto che l'arrangiamento proposto in radio ha reso comprensibili, finalmente, le parole di Patty...
Godiamocelo allora, questo tanto agognato Duetto, ora, subito, on air, su Insolite Note per voi...

Sanremo International... Peter Gabriel

2011-02-26T16:06:00.004+01:00

'Ancora Sanremo?!? Ma è già passato da una settimana!!'...
Certo si, potevamo stare tranquilli almeno per un anno, ma noi non siamo ancora riusciti a disintossicarci e proseguiamo quindi imperterriti con la nostra piccola rubrica, andando a rivedere quelli che a nostro parere sono i momenti migliori del Festival, ossia i grandi ospiti stranieri.
Ritorniamo per questo al 1983, edizione da dimenticare per la vincitrice, che fu Tiziana Rivale con la sua "Sarà quel che sarà", ma assolutamente da ricordare per il quarto posto dei Matia Bazar, che si presentarono con il loro capolavoro "Vacanze romane"...
Il momento topico di tutto il Festival fu però a nostro avviso l'esibizione di un grande della musica contemporanea: Peter Gabriel.
Il fondatore dei mitici Genesis (una delle band Rock Progressive più importanti del mondo), dai quali però aveva ormai divorziato sin dal 1975, era arrivato alla pubblicazione del suo quarto album da solista, senza nome come i tre precedenti (si è soliti infatti chiamarli solo I, II, III e IV), ma conosciuto dai fan anche con il titolo di "Security".
Famoso per i suoi show molto teatrali in cui spesso usava travestirsi da vari personaggi "fantastici" di sua invenzione, anche per l'esibizione di Sanremo seppe stupire i suoi spettatori...
Il pezzo "cantato" in playback per l'occasione, fu la super hit "Shock The Monkey", bellissima canzone che descrive le ansie derivate dalla gelosia, attraveso l'immagine di una scimmia (vi proponiamo tra l'altro, anche lo splendido videoclip originale).
E le coreografie proposte a Sanremo riprendevano appunto la figura di un primate, del quale lo stesso Gabriel era truccato e del quale imitava le movenze...
Grandissimo show, con inaspettata super sorpresa finale (molto celebre), che però non vogliamo svelare per i pochi che ancora non hanno mai avuto il piacere di vederla... Ma che botta!!! Shock!!!

Sanremo 1983 - Shock The Monckey

Shock The Monkey - Video ufficiale

Sanremo International... Queen

2011-02-21T09:29:00.002+01:00

Anche il 61° Festival di Sanremo ha chiuso i battenti e quest'anno, finalmente, possiamo affermare con forza: 'onore al vincitore'! Non succede spesso infatti che a trionfare siano un pezzo ed un cantante di queste qualità: Roberto Vecchioni meritava davvero e abbiamo tutte le ragioni per essere contenti di questo risultato.
Se proprio vogliamo però trovare un neo in questa edizione (oltre alla conduzione pressoché disastrosa), non possiamo non notare come quest'anno siano mancati i grandi nomi della musica internazionale (dando per scontato che i Take That e Avril Lavigne proprio non facciano parte di questa categoria).
Potremmo certo dire che essendo il Festival della musica italiana, questo sia sicuramente un "difetto" secondario, ma per noi "esterofili" (non per principio, ma per gusto) il fatto è abbastanza rilevante.
Nella sua storia infatti, Sanremo ha sempre avuto dei grandi ospiti stranieri e con questa nostra piccola rubrica vogliamo ricordarne qualcuno.
E' d'obbligo allora iniziare con il gruppo preferito da chi vi scrive, ossia una delle band britanniche più influenti della storia del rock: i Queen!
Sbarcarono eccezionalmente al Festival nel 1984, per promuovere l'uscita del loro album "The Works" e l'imminente tour che avrebbe toccato l'Italia per la prima ed unica volta nella storia (con Freddie Mercury), anche se solo per due date a Milano, nel settembre dello stesso anno.
Il pezzo presentato per ben due serate consecutive, fu "Radio Ga Ga", celebre brano scritto dal batterista Roger Taylor, che raggiunse la vetta di tutte le classifiche mondiali e che costituì poi una delle colonne portanti dei concerti che seguirono, con il caratteristico battimani del pubblico (indimenticabile a Wembley per il Live Aid, l'anno seguente).
Anche in quel caso però, noi italiani non mancammo di farci riconoscere, imponendo ad una delle band live migliori del mondo (se non la migliore in assoluto)... di suonare in playback!
Cosa normalissima per il Sanremo degli anni '80, ma davvero eccezioale per i Queen, che raramente lo avevano fatto e che non accettarono per nulla di buon grado la situazione, dimostrando platealmente il loro dissenso durante l'esibizione.
Soprattutto Mercury, che infatti nel cantare, spesso mancava di allineare il microfono alla bocca, facendo appunto notare che la performance non era live.
Purtroppo anche per questi 'reperti' che vi proponiamo, la qualità delle immagini non è il massimo e addirittura per la prima serata abbiamo a disposizione solo un minuto.
Ma certamente vale la pena rivedere questi miti del Rock esibirsi su un palco davvero troppo piccolo, anche solo con un playback, sbeffeggiando il solito pubblico immobile dell'Ariston (che per fortuna non viene inquadrato), con lancio di giacca e di fiori nel finale, da parte di un grandissimo ed indimenticabile Freddie Mercury...

Sanremo 1984 - Radio Ga Ga (Prima serata)

Sanremo 1984 - Radio Ga Ga (Seconda serata)

E non poteva mancare la conferenza stampa...

Sanremo Story... Gli Stadio

2011-02-18T12:53:00.020+01:00

Chiudiamo con questo post, la rubrica dedicata alla riscoperta dei brani che hanno consentito di sporcare la "fedina musicale" di alcuni grandi artisti italiani. Abbiamo visto l'esordio di Zucchero, Ruggeri, Oxa e della indimenticata Mia Martini. Oggi presentiamo l'esordio festivaliero di un gruppo che registra non molte presenze (quattro) sul palco dell'Ariston, con mediocri fortune: gli Stadio. Due ultimi posti, un quinto e un tredicesimo posto. Ma come ben sappiamo, i piazzamenti sanremesi valgono meno di un diploma di maturità.
Curreri & C. rappresentano un gruppo che ha segnato la scena musicale italiana dal 1977 fino ad oggi, con vari cambiamenti all'interno della formazione nel corso degli anni. Attualmente, infatti, del gruppo originario troviamo solo Gaetano Curreri e Giovanni Pezzoli (batteria), ai quali si sono aggiunti poi Andrea Fornili (chitarra) e Roberto Drovandi (basso).
Reduci dal successo di "Acqua e Sapone", il loro debutto al Festival avvenne nel 1984, e fu "festeggiato" da un ultimo posto, che si trasformò, successivamente, in un colpo di fortuna.
"Dove si va, a far l'amore dove si va..." è il ritornello della canzone in questione, "Allo stadio", che tutti abbiamo cantato o solo ascoltato. Il brano fu scritto da Curreri e Luca Carboni e faceva parte dell'album "La faccia delle donne". Il connubio tra i due artisti emiliani continuò anche al Festival del 1986 con "Canzoni alla radio" che, come nella precedente partecipazione, si classificò all'ultimo posto.
Per chi ha poca memoria, o per chi ha orecchie ma non vuol sentire, lo riproponiamo con un video pescato dal nostro umile archivio, magari alzando il volume e sovrastando le note dei brani che stiamo ascoltando al Festival 2011 in questi giorni.

Sanremo Story... Mia Martini

2011-02-17T19:29:00.000+01:00

Se l'attuale Sanremo non ci da per ora molti spunti su cui discutere, ci rifugiamo come al solito nel passato, nella storia della musica ed in questo caso proprio nella storia del Festival.
Proseguiamo infatti nella nostra ricerca e riportiamo alla luce un altro esordio: quello della grande ed indimenticabile Mia Martini.
In questo caso non si tratta di un debutto nel mondo della musica in generale, in quanto Domenica Berté, al secolo Mia Martini, cominciò la sua carriera artistica ben 19 anni prima, nel 1963.
Pezzi come "Piccolo Uomo" nel '72 e "Minuetto" nel '73, l'avevano già consacrata come grande interprete della musica italiana, quando nel 1982, dopo diverse occasioni mancate, arriva il pezzo giusto per Sanremo.
La canzone in questione era la bellissima "E non finisce mica il cielo" scritta da Ivano Fossati.
E questo tra l'altro fu l'ultimo pezzo che Fossati compose per lei, poco prima che finisse la loro tormentata storia d'amore.
La particolare bellezza di questo brano fece accadere quello che nella storia di Sanremo non era mai accaduto.
Infatti, nonostante la canzone non si fosse piazzata tra le prime tre, venne istituito proprio per rendere omaggio all'artista e al suo bellissimo pezzo, il Premio della Critica, scaturito dai voti assegnati dai giornalisti musicali accreditati al Festival.
Questo premio, che negli anni ha assunto una particolare importanza, dopo la tragica scomparsa di Mia Martini, avvenuta nel 1995, fu a lei intitolato.

Consegna del Premio della Critica a Mia Martini, durante la trasmissione "Domenica In"

Sanremo 2011...Il solito Festival?

2011-02-16T17:49:00.006+01:00

Dopo aver visto la prima serata e tralasciando la conduzione comunque sobria di Morandi e soci, dal punto di vista musicale, la risposta a questa domanda secondo noi è "sì, si tratta del solito Festival!".
E' inutile ogni anno aspettarsi qualcosa di più, un pezzo di qualità, una musica mai sentita... niente purtroppo, solo la solita solfa trita e ritrita!
Per vedere qualcosa di buono dobbiamo proprio sforzarci, lasciare da parte le "Insolite Note" delle quali spesso ci occupiamo e provare a scovare qualcosa di buono stando bene attenti ad evitare i vari Albano, Tatangelo (ma a chi era dedicata la sua canzone/epiteto?!) e Patty Pravo (ok, è un mito della musica italiana, ma ormai non riesce a beccare una nota che sia una!)...
Ed ecco allora che spunta un barlume di speranza quando sul palco salgono i La Crus, riunitisi per l'occasione, con il pezzo "Io confesso". Un misto di vintage italiano, un po' Luigi Tenco e un po' Don Backy, che nel finale si incrocia con atmosfere alla Morricone grazie alla bellissima voce della soprano Susanna Rigacci. Molto particolare, sicuramente in odore di premio della critica. Da riascoltare.
Premio della critica che di sicuro sarà conteso anche dal professore della musica italiana, Roberto Vecchioni, quest'anno concessosi eccezionalmente al Festival, con "Chiamami ancora amore". Canzone che, a dispetto del nome, ha un testo impegnato, molto profondo che il cantautore ha magistralmente interpretato con grande intensità.
Tra le cose da salvare sicuramente poi anche il duo Madonia-Battiato, con "L'alieno", pezzo interessante che però per la verità, ha un po' deluso. Per due motivi: il primo è che il maestro compare troppo poco, solo nel finale (ma quando lo fa, la canzone si trasforma in capolavoro!); il secondo invece è che in realtà... il brano è del 1981! Potremmo chiamarlo omaggio/plagio da parte di Luca Madonia che ne è l'autore, ma a riascoltarlo bene questo "Alieno" è quasi spiccicato a due vecchi pezzi dello stesso Battiato, "Sentimento Nuevo" e "Segnali di vita"... Apprezziamo comunque l'impegno.
Ed ecco qui... per noi il 61° Festival di Sanremo potrebbe finire qui. E' solo per dovere di cronaca che citiamo gli altri cantanti in gara...
Giusy Ferreri che stonando un po' (forse emozionata per essere la prima a cantare), con la sua tipica voce nasale intepreta un brano comunque discreto ("Il mare immenso").
I Modà con Emma Marrone che scimmiottando i Negramaro (dei quali i Modà sono sempre stati dei cloni mal riusciti), si presentano con "Arriverà", pezzo comunque molto radiofonico.
Anna Oxa che con "La mia anima d'uomo" pensava forse di partecipare al festival della canzone albanese (con tutto il rispetto): alzi la mano chi ha capito qualcosa di quello che diceva o gridava. Giusta a nostro avviso la sua momentanea eliminazione.
Nathalie, la Tori Amos nostrana, che purtroppo delude: la sua "Vivo sospesa" non rispetta le aspettative... peccato aver sprecato per XFactor il primo suo bellissimo inedito "In punta di piedi".
Il solito simpaticissimo Max Pezzali, che indossando una improbabile giacca, canta cambiando rigorosamente, come d'abitudine, gli accenti di tutte le parole del testo: "Il mio secondo tempo" è una canzoncina carina in pieno stile 883, nulla di più.
Davide Van De Sfroos non pervenuto. Non ci risulta che il dialetto comasco sia italiano... anche se comunque era sempre più comprensibile della lingua di Anna Oxa!
Stendiamo un velo pietoso infine, sul solito Albano con un pezzo impegnato ma cantato alla solita maniera (non ci si aspettava altro da lui, che canta solo per il suo pubblico), su Tricarico che ha rovinato un brano che cantato da chiunque altro sarebbe risultato molto più godibile, su Patty Pravo che come detto, ha stonato dalla prima all'ultima nota, e su Luca Barbarossa con Raquel del Rosario con un pezzo davvero insignificante.
Ed infine stendiamo un immenso velo pietoso anche sul "Bastardo" della Tatangelo, alla quale auguriamo dal più profondo del cuore, per il suo bene, un divorzio artistico dal suo attuale compagno di vita. Può solo migliorare...

Sanremo Story... Anna Oxa

2011-02-16T13:20:00.010+01:00

Reduce da una fresca eliminazione, forse prevista, al Festival 2011, ricorriamo in appello per una grande artista che ha sempre fatto parlare di sè, sia per la sua musica che per il suo look: Anna Oxa.
Quattordici apparizioni sanremesi costellate da numerosi successi: due primi posti ("Ti lascerò"nel 1989, in coppia con Fausto Leali, e "Senza Pietà" nel 1999) e due secondi posti. E proprio uno di questi secondi posti lo ottenne al suo esordio sanremese, datato 1978, con un brano scritto da Ivano Fossati. Il brano in questione è uno dei suoi cavalli di battaglia: Un'emozione da poco. Non proprio poco, effettivamente...

Per gli amanti delle statistiche precisiamo che il Festival di Sanremo del 1978 fu vinto dai Matia Bazar con "E dirsi ciao" e vide piazzarsi al terzo posto "Gianna" del grande Rino Gaetano, che possiamo definire come il miglior terzo posto della storia sanremese.

Sanremo Story... Enrico Ruggeri e i Decibel

2011-02-15T16:14:00.005+01:00

A poche ore dall'inizio del 61° Festival di Sanremo, rispolveriamo con la nostra rubrica un altro pezzo di storia di questo celeberrimo conconrso canoro.
Più precisamente andiamo a rivedere gli esordi di un'altro "mostro sacro", nonché affermato autore di alcuni dei più bei pezzi della musica italiana, "giudice" di XFactor e nel tempo libero anche romanziere...
Stiamo parlando ovviamente di Enrico Ruggeri!
Era il 1977 ed il fenomeno Punk irrompeva nella scena musicale mondiale, quando il mitico "Rouge" iniziò seriamente la sua carriera, fondando i Decibel e abbracciando in pieno lo stile musicale di quell'anno.
Il debutto discografico arrivò però nel '78, con l'album "Decibel" (noto anche come "Punk" per via della scritta sulla copertina), che fu purtroppo un completo fallimento dal punto di vista delle vendite.
L'anno della svolta fu il 1980, proprio con il loro esordio al Festival di Sanremo: nell'edizione passata alla storia per la conduzione di Roberto Benigni e per la vittoria di Toto Cutugno(!), la band si presentò con il brano "Contessa", composto da Fulvio Muzio (altro componente del gruppo) che ne scrisse la musica e dallo stesso Enrico Ruggeri per il testo, piazzandosi all'11° posto e risquotendo poi un discreto successo di vendite...
Rivediamo allora in questa divertente esibizione un quasi ventitreenne(!) Ruggeri, accompagnato dai Decibel, interpretare in "duetto" con i suoi mitici occhiali bianchi, la bellissima "Contessa"...

Sanremo Story... Zucchero

2011-02-14T19:10:00.007+01:00

Ci siamo divertiti a scovare in questa piccola rubrica, gli esordi di alcuni artisti italiani al Festival di Sanremo...
Iniziamo con quello che ormai è un mito della musica nostrana, nonché una star internazionale, Adelmo Fornaciari, alias Zucchero. La gavetta è stata lunga e faticosa per lui e non sono mancate le difficoltà iniziali... basti pensare che proprio in quel di Sanremo fu costretto a partecipare per ben due volte nella categoria giovani.
L'esordio avvenne nel 1982 con il pezzo "Una notte che vola via", che ebbe un discreto successo e gli permise di giungere in finale... ma non di vincere!
Ci riprovò allora l'anno seguente, sempre nella categoria giovani, con "Nuvola", avendo però sempre lo stesso deludente risultato.
Dopo una pausa di un anno, finalmente arrivò il momento del successo, che per la verità non fu immediato... Nel 1985 infatti Zucchero Fornaciari partecipò ancora a Sanremo, questa volta nella categoria Big con il pezzo che gli darà finalmente la meritata fama: stiamo parlando ovviamente di "Donne", singolo che raggiunse la vetta di tutte le classifiche, ma che, come nella migliore tradizione Sanremese, arrivò penultimo e non fu per niente apprezzato dalla critica...
Rivediamo allora, in un video d'annata dalla qualità purtroppo scadente, l'esordio di un giovanissimo Zucchero quando nel 1982 (ancora ipoglicemico) portò sul palco più famoso d'Italia "Una notte che vola via", pezzo romanticissimo che tra l'altro si addice molto alla giornata di oggi (per chi non lo sapesse è San Valentino!) e con il quale quindi facciamo gli auguri a tutti gli innamorati!

"I get around" con i Beach Boys...

2011-02-10T18:49:00.005+01:00

Osannati dalla critica e ammirati da molti loro illustri colleghi, i Beach Boys furono uno dei gruppi più importanti della storia del Rock... I Beatles ad esempio non fecero mai mistero di essere loro grandi fan e di aver preso spunto per "Sgt. Pepper's" dal loro album di maggior successo "Pet Sounds"...
Tanti furono le hit lanciate da questa band, scritte per la maggior parte dal loro leader Brian Wilson: un genio della musica che, come tanti suoi colleghi dell'epoca, si lasciò travolgere dal successo e... dalle droghe pesanti, che purtroppo col tempo gli causarono gravi problemi psichici e la conseguente uscita dalla band...
Li riascoltiamo qui in un pezzo con il quale per la prima volta raggiunsero la vetta delle classifiche mondiali nel 1964.
In un bellissimo live (forse uno degli ultimi loro concerti nella formazione storica) a Knebworth House il 21 giugno del 1980, dall'album "All summer long" ecco la mitica "I get around"...

John & Yoko... Just Like Starting Over

2011-02-09T18:13:00.003+01:00

Quando il tempo "raffredda" un amore, è bello rivedere insieme vecchie foto e ricordare tempi migliori... Un modo per "Ricominciare di Nuovo"... Ecco l'album di famiglia di John Lennon e relativa colonna sonora... "Just Like Starting Over" ...

Roberto Vecchioni: Profess(ore)ione Cantautore

2010-11-26T13:14:00.004+01:00

Manca meno di un mese al Natale, ma è già partito il conto alla rovescia per la 61esima edizione della manifestazione canora italiana più importante, il Festival di Sanremo!
A tirare le redini quest’anno è il cantante italiano forse più amato e popolare in assoluto, l’eterno ragazzo Gianni Morandi… che ha deciso di farci un regalo di Natale in anticipo, ufficializzando la partecipazione sul palco dell’Ariston di un monumento della musica italiana, il Professor Roberto Vecchioni!
E diciamolo pure, non c’era modo migliore per cominciare a calarci in quest’ennesima avventura sanremese!
Ma poiché non ce la facciamo a resistere tre mesi per godercelo live al Festival, lo riascoltiamo subito in un pezzo capolavoro della sua infinita produzione musicale…. "Sogna Ragazzo Sogna", un meraviglioso inno alla vita e un’esortazione, rivolta ai giovani, ad andare sempre avanti, a testa alta, forti delle nostre convinzioni, vivendo e sognando allo stesso tempo!
Largo ai sogni dunque, sempre….. Prego Maestro!

Un Diamante è per sempre...

2010-05-03T15:20:00.004+02:00

Quando due geni, due mostri sacri decidono di collaborare, non può che nascere qualcosa di unico e di immortale, qualunque sia il settore… E questo succede molto spesso, e per fortuna, anche in campo musicale. E quando ad incontrarsi sono la musica onirica e soave del blus man italiano per antonomasia, il Joe Cocker della Romagna, Adelmo Sugar Fornaciari, o più semplicemente Zucchero, e la penna sopraffina e mai banale del Principe dei cantautori italiani, Francesco De Gregori… il risultato non può che essere un “Diamante” della discografia italiana di tutti i tempi!
Godiamocelo allora, questo pezzo dedicato da Zucchero alla sua amata nonna, il cui nome era appunto Diamante… Possibilmente ascoltandolo ad occhi chiusi, per apprezzarlo fino in fondo…

Ringo e la Principessa Leila...You're Sixteen

2010-04-14T13:18:00.004+02:00

Lui è considerato l'uomo più fortunato degli anni '60. Dal punto di vista artistico, il meno dotato tra i mitici Fab Four, nonché (diciamolo pure) il più brutto.
Stiamo parlando ovviamente di Ringo Starr, al secolo Richard Starkey (il suo pseudonimo deriva dal fatto che usasse indossare spesso degli anelli, "ring" in inglese...), batterista dei mitici Beatles.
Le opinioni sulle sue doti musicali per la verità sono contrastanti: possiamo dire che di sicuro lui brillava di luce riflessa al cospetto dei suoi "compagni di viaggio"... Ma chi non lo farebbe di fronte al genio puro di Paul McCartney, John Lennon e George Harrison?!?
Nello specifico poi, mentre qualcuno lo accusa di non possedere alcuna tecnica nel suonare la batteria, altri invece considerano il suo stile "monotono" ma preciso e molto confacente al sound del quartetto di Liverpool.
Allo scioglimento dei Beatles, avvenuto nel 1970, intraprende una carriera solista (come la restante parte della band), e raggiunge il suo apice nel 1973 con la pubblicazione dell'album "Ringo".
Il disco, in cima alle vette delle classifiche mondiali, viene osannato anche dalla critica e vanta la collaborazione di grandi nomi della musica, tra i quali Billy Preston, Marc Bolan, Harry Nilsson e soprattutto degli altri tre Beatles, che comunque non suonano mai contemporaneamente nello stesso brano.
Il singolo estratto che arriva al numero uno sia nelle classifiche inglesi che in quelle americane è una cover di un pezzo del 1960 scritto dai fratelli Robert e Richard Sherman: "You're sixteen (you're beautiful and you're mine)".
Ad impreziosirlo sono i cori di Harry Nilsson e l'assolo di "Kazoo" suonato da Paul McCartney, nonché un simpatico video nel quale Ringo si accompagna ad una giovanissima Carrie Fisher (all'epoca aveva circa 16 anni per l'appunto), che diventerà poi famosa per la sua interpretazione della principessa Leila nella trilogia di Star Wars.
Riascoltiamoci dunque questa canzone e rivediamo il nostro "Ringo boy"... ai limiti della legalità! :)

La Cantina del Vinile: Nick Lowe

2010-03-31T19:42:00.008+02:00

La nostra opera di riesumazione musicale continua a gonfie vele. Nello scaffale abbiamo trovato un 45 giri di un interprete che, parlando in termini elettorali, non riuscirebbe a superare lo sbarramento del 4%. Il nome è Nick Lowe.
La vostra domanda è più che ovvia (Ma chi è?). La risposta é: "Non lo sappiamo nemmeno noi".
Però, da buon antropologi musicali abbiamo scoperto che Nick Lowe è stato il precursore di un genere musicale che tuttora è molto in voga e che è il trampolino di lancio di molti cantautori. Oggi si chiama gavetta, cantina, piano-pub, negli anni '70 era il pub-rock. Consisteva in band, o cantanti, che suonavano musica rock, blues e country nei pub britannici stracolmi e annuvolati da gomitoli di fumo.
E proprio lui era uno di frequentatori di questi risto-canti. Altro interprete che è partito dal pub-rock è stato Elvis Costello. Casualmente, i due hanno avuto modo di collaborare. "(What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding" (1979), fu scritto da Lowe proprio per Costello. Fu un discreto successo come lo fu un brano che forse si può definire il suo cavallo di battaglia, "Cruel to be kind" che ricorda, non vagamente, la musicalità dei brani dei Beatles e dei Beach Boys.
Proviamo a non farlo ritornare nel dimenticatoio sonoro...

I Duran Duran in Arcadia per l' Election Day

2010-03-29T19:56:00.007+02:00

Anche le elezioni ci suggeriscono musica...
Mentre la maggior parte della penisola è impegnata con lo spoglio delle ultime schede elettorali, noi abbiamo la giusta colonna sonora.
Arriva dritta dall'ormai lontano 1985, quando tre componenti dei Duran Duran (Simon LeBon, Nick Rhodes e Roger Taylor) si staccarono momentaneamente dal gruppo per creare una band parallela, adottando un nome, Arcadia, che evocava classicità e mistero, un po' come la loro musica.
E, nella loro pur breve vita, ebbero un discreto successo sia di pubblico che di critica, pubblicando l'album "So Red The Rose", registrato a Parigi con un investimento economico a dir poco eccessivo, superiore addirittura a quello speso per un normale album degli stessi Duran.
Il singolo principale estratto da questo album fu proprio "Election Day" (ecco il titolo che fa al caso nostro dunque...), ai primi posti delle classifiche mondiali e primo assoluto in Italia, che vantò la partecipazione di Grace Jones impegnata in una strofa con la sua caratteristica voce in recitativo...
L' "Election Day" italiano volge quindi al termine (era ora!!) e noi tiriamo un sospiro di sollievo provando a rilassarci con questo bel pezzo targato anni '80...

Un anno di Insolite Note con 'Music'!

2010-03-27T12:53:00.008+01:00

Ebbene si... Insolite Note compie un anno! Sembra impossibile ma, tra alti e bassi, siamo sopravvissuti, grazie anche a voi...
E allora... Tanti auguri!!! Festeggiamo con torta (che mangiamo solo noi), palloncini (virtuali) e naturalmente tanta buona Musica...
Più precisamente ci auto-dedichiamo e vi dedichiamo questo bellissimo pezzo del 1976 che nel titolo e nel testo riassume benissimo il senso del nostro blog (e forse anche della nostra vita): "Music" di John Miles.
Un cantante che potremmo quasi definire una meteora (anche se è ancora in attività), che però ci ha regalato un capolavoro, un classico del Pop-Rock anni '70, magistralmente prodotto dal grande Alan Parsons (si, proprio quello del "Project", nonché soprattutto produttore dei mitici Pink Floyd) e arrangiato nella parte orchestrale da Andrew Powell.
Un pezzo che anche al centesimo riascolto, riesce sempre a dare i brividi (almeno per noi è così...).

"La musica è stato il mio primo amore...Vivere senza la mia musica sarebbe impossibile... In questo mondo di guai, la mia musica mi guarisce"

Ve lo riproniamo sia in versione "studio" che in versione "live"... ne vale la pena!
Buona Musica a tutti!

Slowhand: Eric Clapton...e la lentezza

2010-03-15T18:21:00.011+01:00

Oggi si celebra in tutto il mondo la "Giornata della lentezza". Rallentare per uno sviluppo economico in armonia con l’uomo e con l’ambiente: ecco il tema messo in risalto da questo avvenimento.
E noi condividiamo, affidandoci a chi per la lentezza si è sempre contraddistinto.
Mr. "Slowhand" (mano lenta), alias Eric Clapton, fu soprannominato così per il tocco particolarmente "lento" con cui suonava (e suona) la sua chitarra.
Prova vivente che non sempre la lentezza è sintomo di mediocrità: Clapton infatti è considerato uno dei più grandi chitarristi del mondo!
Lo ritroviamo con un pezzo del 1997, che fu colonna sonora del film "Phenomenon" di John Travolta e che gli valse un Grammy come miglior canzone dell'anno: "Change the World", titolo azzeccatissimo per il nostro intento...
Da ascoltare in completo relax e...mooolto lentamente!!

La Cantina del Vinile: Robin Gibb

2010-03-03T18:02:00.010+01:00

Dopo una lunga assenza ritorna a furor di popolo “La Cantina del Vinile”.
Abbiamo pagato il condono! In questa occasione riportiamo in auge, e quindi a pianoterra, un artista che paradossalmente è più conosciuto come componente di un celebre gruppo, che come solista. Ma noi, ovviamente, lo evidenzieremo come solista. Bene, il suo nome è Robin Gibb, uno dei 3 fratelli Gibb (gemello omozigote di Michael), meglio conosciuti come Bee Gees.
Robin Gibb ha lasciato qualcosa di tangibile e di udibile della sua esperienza da solista. Il pezzo in questione è un brano del 1983, hit in Europa ed anche in Italia. Avete mai sentito parlare di Juliet? Non scomodiamo Shakespeare. Juliet è una ballata romantica che all’ascolto rievoca (misteriosamente) un brano italiano del 1984, sia nel titolo che nella melodia. Juliet e Giulia di Gianni Togni quanto differiscono? Boh!
Ascoltiamo Juliet. Brano da riscoprire o da scoprire, a seconda della vostra preparazione.

My Generation: The Who ed il movimento Mod

2010-02-26T09:27:00.009+01:00

E' arrivato il momento di disintossicarci...
Troppe volte in questo blog negli ultimi giorni abbiamo parlato e quindi nominato quella parola che inizia per "S" e finisce per "anremo". Ora basta! (Almeno per quest'anno...)
Abbiamo voglia di ribellarci, di dare sfogo alla nostra rabbia (dettata magari dalle ultime vicende musicali raccontate)...Niente di meglio quindi che fare un tuffo nel passato e riproporre ancora una volta quel tipo di musica che inizia per "R": il buon sano e vecchio Rock'n'Roll!
Ed ecco che ci viene in aiuto un certo Pete Townshend, grande chitarrista, compositore e leader di una delle band più grandi della storia: The Who.
Questo signore dal naso lungo e dall'aria un po' buffa, insieme a Roger Daltrey (voce), John Entwistle (basso) ed al grande e compianto Keith Moon (forse il miglior batterista di tutti i tempi), fondò il gruppo nel lontano 1964 e lo portò al successo già l'anno seguente con la pubblicazione dell'album "My Generation".
Fu la band simbolo dei Mod, ossia quel movimento giovanile molto diffuso negli anni '60, sostanzialmente anarchico ma con un forte senso del gruppo, che tra l'altro riservava un'attenzione particolare all'abbigliamento, all'estrema cura del look e ad alcuni accorgimenti estetici, come ad esempio l'uso della Vespa e della Lambretta (si, proprio quel particolare scooter italiano che prende il nome dal fiume Lambro, di grande attualità purtroppo, visto il disastro ambientale che lo ha investito in questi giorni).
Nel video che vediamo oggi, gli Who sono molto giovani, agli inizi della loro carriera (poi lunga e prolifica) e si esibiscono in una trasmissione televisiva con il singolo che da il nome al loro primo album, "My Generation".
Questa canzone diviene ben presto l'inno della generazione a cui fa riferimento (quella dei Mod appunto), pur avendo un testo molto scarno che ne delinea solo marginalmente le caratteristiche: la frase lapidaria "Hope I die before I get old" (Spero di morire prima di essere vecchio) ne rappresenta il passaggio più importante.
Ed anche il modo di cantare, apparentemente, non giova alla causa: Roger Daltrey infatti balbetta per la maggior parte del pezzo.
Ma la spiegazione viene data dallo stesso autore, Pete Townshend: "E' un Mod impasticcato che si sforza di dirti come e perché lui è un grosso figo, ma non ci riesce, è talmente sconvolto che quasi non ce la fa a parlare".
La balbuzie ed un grandissimo assolo di basso di John Entwistle saranno allora un marchio di fabbrica per questo grandissimo pezzo, qui riproposto in una esilarante interpretazione tutta da vedere, sia nella presentazione che nell'esecuzione...ma soprattutto nel finale, a dir poco esplosivo!! Vi basti pensare che l'ultimo "botto", fatto esplodere (si dice) da Keith Moon, causò dei seri danni all'udito di Pete Towshend... Enjoy!

Finale col botto (lo scandalo trionfa!)...

2010-02-22T15:36:00.005+01:00

Sanremo. Teatro Ariston. Ore 1 circa… Antonella Clerici, trionfante conduttrice della sessantesima edizione, risale sull’astronave-ascensore, lo stesso che cinque giorni prima l’ha fatta approdare sullo storico palco, dando avvio alla kermesse canora…
È appena passata la tempesta… pochi minuti prima, infatti, il trio pseudo patriottico Pupo-Filiberto-Canonici ha seriamente “rischiato” di salire sul gradino più alto del podio! Rischio scongiurato, anche se non di molto, dato che i suddetti si piazzano secondi, preceduti dal trionfatore assoluto Valerio Scanu, con la sua Per tutte le volte che… (vittoria figlia anche, se non soprattutto, dello splendido duetto con la salentina Alessandra Amoroso; duetto perfettamente riuscito!).
Ma la finalissima verrà ricordata anche per un evento tragi-comico unico nella storia: l’insurrezione generale da parte, niente poco di meno che, dell’orchestra dell’Ariston, che non ha digerito l’ammissione del “trio bianco rosso e verde”nei primi tre posti… protesta che ha poi raggiunto vertici inimmaginabili, mettendo letteralmente in crisi la conduttrice, con l’annuncio dell’esclusione della favoritissima Malika Ayane, spalleggiata dai professori d’orchestra, appunto.... Ecco dunque lo show nello show: lancio degli spartiti, pubblico che insorge e che lascia i propri posti, fischi, imprecazioni, ecc ecc…
Ma Sanremo è cosi… E forse è interessante anche per questo, per qualche nota “stonata” (tanto per restare in tema) e per l’imprevisto dell’ultima ora…
Da annotare poi, con immenso dispiacere, che, dopo Ruggeri, anche il nostro secondo beniamino -ricordate il nome che non volevamo fare per scaramanzia?- l’eccellente Marco Mengoni, che consideriamo un artista pregevole (l’unico a poter vantare due telefonate “da incorniciare” (passateci l’ossimoro): da parte di Mina e di Celentano… Due attestati di stima, quindi, con cui le due più grandi leggende della musica italiana hanno voluto omaggiare il giovane cantante. Evento questo che non può certo passare inosservato, essendo appunto più unico che raro! Ebbene, come già accaduto con Enrico Ruggeri, che noi appoggiavamo vivamente, anche Marco Mengoni non ha raggiunto quel primo posto che sarebbe stato meritatissimo (saremo forse noi a portare sfiga???). “Solo” medaglia di bronzo per il trionfatore di X Factor, battuto da principe e soci, appunto… E su questo dato, glissiamo… Non fate aggiungerci altro, abbiate pietà!
Cosa resta da aggiungere… Esprimendoci in termini televisivi, si può dire che “Amici” e “I Raccomandati” (mai titolo fu più idoneo!) battono “X Factor”… (a ben notare, lo stesso ordine lo avevano già espresso i dati auditel delle rispettive trasmissioni: 30% di Share per la prima, 23% circa per la seconda e 10% per l’ultima).
Forse il consiglio e l’auspicio per il futuro, sarebbe quello di riuscire a dosare meglio le diverse modalità di votazione, se davvero si vogliono evitare situazioni e risultati spiacevoli, come accaduto quest’anno, e non solo…
Ha invece messo d’accordo tutti la consegna del prestigioso Premio della Critica- Mia Martini a Ricomincio da qui, di Malika Ayane, artista che quest’anno ha giustamente ricevuto la consacrazione…
Il Festival si chiude qui… Vi dispiace vero?! Questo grande e storico contenitore di musica, show, eventi, abiti, paillettes e lustrini, chiacchiere, polemiche e quant’altro, ha raggiunto anche quest’anno il suo scopo: divertire, appassionare, far parlare e tenere incollati dinanzi alla tv milioni di italiani… Lunga vita al Festival dunque… Perché, in fondo… Sanremo è Sanremo… papapapapapapapa… papapapapapapapa… papapapapapapapapapa… pa pa pa!

...Aspettando la finale... (e lo scandalo continua!)

2010-02-20T14:03:00.006+01:00

Festival di Sanremo, atto quarto: lo scandalo va in onda….. A quanto pare non c’è proprio verso di mandare a casa l’insolito trittico Pupo-Filiberto-Canonici! A niente è servita la marea di fischi che ha letteralmente sommerso la loro presenza sull’Ariston; fischi e urla che hanno coinvolto anche il c.t. azzurro Marcello Lippi, chiamato a supportare i tre (in quella che abbiamo ormai ribattezzato operazione-paraculismo…).
La rabbia dunque non solo resta, ma si moltiplica all’idea che a farne le spese sia stato proprio il grande cantautore Enrico Ruggeri (oltre a Fabrizio Moro, giusta la sua esclusione), scartato e costretto quindi a lasciare anzitempo la gara, non partecipando alla finale di stasera.
Il dubbio amletico impera: è davvero possibile che il pubblico da casa abbia espresso la propria preferenza a favore del principe e dei suoi soci? Davvero la canzone è piaciuta così tanto? Oppure è stato decisivo il voto dell’orchestra? E se così fosse, è plausibile pensare che dei maestri indiscussi di musica, gente a dir poco competente, abbia ritenuto la canzone Italia amore mio un brano così musicalmente complesso, importante e pregevole, da essere fortemente caldeggiato?
Domande, le nostre, che vagheranno inutilmente e si dissolveranno nell’aria…
Nonostante questo piccolo grande incidente finale, la serata è stata comunque piacevole; tutti i big si sono esibiti accompagnati da ospiti, ballerini, cantanti, con l’intento di abbellire e valorizzare il proprio brano (missione che a nostro avviso quest’anno, a differenza dell’anno scorso, non è riuscita un granchè!).
La quarta puntata è stata poi impreziosita dalla partecipazione della star internazionale Jennifer Lopez (e del suo ammirato nonché assicurato fondoschiena)… La sua partecipazione è da considerarsi positiva anche perché, se paragonate a quelle dei vari ospiti internazionali che si sono susseguiti nella varie edizioni del Festival (prima tra tutte quella di John Travolta, il quale, accomodatosi sullo sgabello per una pseudo intervista, durata dieci minuti, ha bel pensato di lasciare il palco prima del previsto… Ma cosa volete, in fondo il buon caro John ricevette solo 500mila euro…), appare evidente che JLo si è perlomeno “data da fare”, non si è risparmiata: la presentazione in anteprima del nuovo singolo e un’intervista di una ventina di minuti, nella prima uscita; alla quale se ne è aggiunta poi una seconda, in cui la bellissima portoricana si è esibita in un medley di vecchi successi, ballando come una forsennata (i maschietti ringraziano!) e cantando anche dal vivo, impresa oramai più unica che rara…
Per la categoria Nuova Generazione, invece, Tony Maiello, con la sua bella Il linguaggio della Resa, trionfa aggiudicandosi la vittoria. Premio della critica a L’uomo che amava le donne, di Nina Zilli (interprete da tenere d’occhio!).
E stasera finalissima… Dopo la cocente delusione che abbiamo ricevuto con l’esclusione del nostro beniamino Ruggeri, che avevamo auspicato sul podio, pronostici non ne facciamo più! E se anche una speranza in cuor nostro ce l’abbiamo, preferiamo non esporla oggi… Non vorremmo mai che, ancora una volta, qualche pupo o principino possa rovinare i piani!
P.S.: L’Italia tutta si dichiara gioiosa e soddisfatta nel vedere che il nuovo leader dei Tokio Hotel, ospiti anch’essi ieri sera sul palco dell’Ariston, sia la “nostra” Anna Tatangelo… Nella speranza che il gruppo tedesco possa presto scritturare, già che ci siamo, anche la sua dolce metà!

...Avanti con la serata celebrativa!

2010-02-19T17:20:00.008+01:00

Archiviata definitivamente la pratica Morgan, conclusasi nel migliore dei modi sperati, e cioè con l’incisiva approvazione che la sua nuova canzone, La sera, ha ricevuto dal popolo degli internauti -grande rivincita morale per l'artista monzese- (nonché piccola rivincita anche per noi!), possiamo finalmente interrompere (o solo sospendere?!) la nostra accorata protesta nei confronti di mamma Rai, vivamente manifestata (vedi numerose foto ed eloquenti riferimenti... ve ne siete accorti per caso?!?) nei nostri precedenti articoli...
E dopo questo doveroso prologo, passiamo ad una breve disamina della terza puntata sanremese. Serata celebrativa, come l’ha più volte definita la presentatrice; e di fatti, il palco dell’Ariston ha visto ieri un susseguirsi di interpreti ed artisti (Ranieri, Cocciante, Elisa, Mannoia, Renga, Consoli…), che hanno riproposto i brani leggendari della storia di Sanremo… Ed è facile e immediato accorgersi che, in fondo, gran parte delle pietre miliari della musica italiana sono passate da questa manifestazione canora, controversa ma sicuramente la più famosa (un nome su tutti: Perdere l’amore di Massimo Ranieri, osannato dal pubblico in sala con una standing ovation).
Ma accanto al momento “amarcord”, non si è persa comunque di vista la gara tra i big esclusi nelle prime due serate, i quali hanno riproposto le proprie canzoni con dei duetti, più o meno riusciti. Tra i più incisivi, sicuramente Valerio Scanu in coppia con l’amica e collega Alessandra Amoroso: duetto che ha consentito al giovanissimo interprete sardo di essere salvato dal televoto e fatto rientrare, dunque, nella gara ufficiale.
Secondo artista (si fa per dire…) ripescato, il principe Filiberto, accompagnato da Pupo e Canonici: decisione vissuta con immenso stupore e disapprovazione da parte nostra e del pubblico ieri sera in sala, ma evidentemente non del pubblico che votava da casa (o di qualcun altro?! Mah…), il quale ha appunto riportato in vita il brano Italia amore mio, dopo la perentoria bocciatura nella prima serata.
Prova d’appello fallita invece per Toto Cutugno, Nino D’Angelo e i fratelli Sonohra, definitivamente a casa.
Più interessanti rispetto alla serata precedente, infine, le esibizioni della Nuova Generazione, dove hanno trionfato Tony Maiello (volto già noto grazie a X Factor) e la giovanissima Jessica Brando.
E stasera ci si gioca la finale: i big ancora rimasti in gara presenteranno la propria canzone rivisitata, accompagnati e supportati da altri artisti.

Habemus Morgan!

2010-02-18T12:07:00.008+01:00

Habemus Morgan!!! Ebbene sì, da poche ore è in radio l'attesissimo brano di Morgan, al secolo Marco Castoldi... Brano che speravamo fino all'ultimo sarebbe stato eseguito sul palco dell'Ariston e che invece ci è stato scippato! (sapete già a chi indirizzare i ringrazimenti).
Che dire, siamo in presenza di un brano molto ricercato, alla Morgan appunto... Un trionfo di archi e un'arrangiamento sontuoso, che si plasmano e si fondono, avvolgendo al loro interno un testo pregevolissimo.
Un pezzo, questo, che abbisogna di diversi ascolti per riuscire ad apprezzarne a pieno, ogni volta di più e meglio, l'elevatissima qualità...
Dopo aver ascoltato La sera, dunque, si moltiplica il rammarico per non aver potuto godere di questa canzone e del suo interprete al Festival di Sanremo; dove la creatività dell'istrionico cantautore avrebbe senza dubbio saputo sfruttare al meglio il rapporto con l'orchestra (ricordiamo che Morgan aveva pensato anche di dirigersi da solo!) creando un effetto scenico forse mai visto prima...
E' tanto l'amaro in bocca, inutile negarlo... Non resta che cercare di addolcirci il palato ascoltandolo più e più volte in radio, sperando di ammirarlo e osannarlo, quanto prima, in altre trasmissioni televisive...
Il tuo Festival lo hai già vinto Morgan!

Mentre tutto (tranquillamente) scorre...

2010-02-18T10:22:00.009+01:00

E sono due! Scorre piacevolmente la seconda serata del Festival (Morgan dove sei?!), servita a riproporre, facendo apprezzare maggiormente, i brani reduci dalla prima eliminazione (che ha fatto fuori dalla gara, almeno per ora, veterani come Toto Cutugno, Pupo e Nino D'Angelo, ai quali si aggiungono gli eliminati della seconda serata, Valerio Scanu e i Sonohra).
Ed infatti è evidente come al secondo ascolto i brani comincino a prendere forma, e delinearsi meglio, entrando pian piano nelle orecchie e nella testa dell'ascoltatore. In particolare, ciò ha giovato al brano di Povia, La Verità, sul quale la prima sera abbiamo avuto delle riserve... Di Povia si può veramente dire di tutto... Che sia un "paraculo"... Che cavalchi l'onda dei fatti e misfatti quotidiani, in modo da cogliere sempre nel segno... Ma un dato è incontrovertibile: questo moderno "cantastorie" riesce a racchiudere in tre minuti e mezzo di esibizione, contenuto, buona musicalità e tanta emozione... E si merita il nostro "Bravo!"...
Occhio anche ai due giovani che hanno superato ieri il turno... Ne vale la pena!

Pillole di Show...

2010-02-17T16:48:00.008+01:00

E mentre lo spirito di Morgan aleggia sornione sul Festival (stupendo il testo del suo brano...), la serata d'esordio di questa 60esima edizione è stata messa in cantiere...
Giudizi non siamo naturalmente in grado di darne, ci limitiamo quindi ad esprimere semplicemente il nostro modestissimo parere. Cominciando col dire che la qualità delle canzoni di quest'anno ci sembra inferiore e quella della scorsa edizione...
Degna di nota è sicuramente l'interpretazione del giovane Marco Mengoni, protagonista e vincitore di X Factor e pupillo del "compianto" Morgan (ma guarda un po!) che, dotato di un'estensione vocale impressionante nonchè di grandissima capacità interpretativa, ha presentato un bel pezzo, Credimi ancora, non banale e molto piacevole...
Si sono poi ancora distinti la rockstar Irene Grandi, presentando La cometa di Halley, brano sulla falsa riga del tormentone Bruci la città (scritta infatti dallo stesso autore) che, siamo sicuri, con quel suo ritmo coinvolgente sarà la più gettonata tra le canzoni passate in radio, e la garanzia di questo Festival, il grande Enrico Ruggeri, cantautore sempre accorto e dall'intuito sopraffino, con la sua La notte delle fate, perfetta commistione tra un'atmosfera in parte onirica e il suo consueto rock...
Nota non proprio positiva, invece, consentitecelo (parere opinabile, sia chiaro!) il brano Ricomincio da qui, dell'attesissima e pur sempre pregevole Malika Ayane, che consideriamo, a dispetto delle critiche positivissime espresse oggi da gran parte della critica, al di sotto delle aspettative... Il pezzo non ci ha convinto pienamente, trovandolo decisamente di minore impatto rispetto all'incantevole Come foglie, presentata l'anno scorso sempre a Sanremo.
Inutile e superfluo dire che è mancata la ciliegina sulla torta, ossia Morgan (e chi sennò??!!)..... E un pensiero balena irrequieto nella testa di molti..... E cioè che la ciliegina, alle volte, è molto più saporita dell'intera torta stessa..... Per i ringraziamenti, lo sapete già, rivolgersi in Viale Mazzini.....
E in attesa della seconda serata, riviviamo le esibizioni di qualche protagonista di ieri sera (tanto per non perdere l'abitudine).....

...Perché Sanremo è Sanremo!

2010-02-16T20:18:00.007+01:00

Signore e signori... Madames et monsieurs... Benritrovati!!!!!
Dopo questa pausa di "riflessione", che ha visto il nostro amato Blog godere di un periodo di meritato riposo, in seguito all'incessante lavoro che lo ha caratterizzato nei suoi primi mesi di vita, rieccoci qui, pronti e motivati come e più di prima, a disquisire con dedizione e passione del nostro tema preferito, protagonista indiscusso delle nostre giornate... La MUSICA!!!
Piccolo quiz: chi sa dirci il perchè riprendiamo l'attività proprio in questa settimana??? Ebbene si, bravi, indovinato... In fondo era abbastanza ovvio, vero?!
Sta per cominciare, infatti, la Kermesse canora (amata, odiata, discussa, controversa ecc. ecc.) italiana per antonomasia: il buon, caro, vecchio ma sempreverde, Festival di Sanremo, 60esima edizione! Il quale, seppur quest'anno parta con un grosso handicap dovuto all'eliminazione di Morgan, messo da parte con una mossa autolesionista e masochista (di cui ringraziamo la cara bigotta e incoerente Mamma Rai), speriamo ci regali un buon prodotto...
Le canoniche cinque serate vedranno come sempre la musica intrecciarsi con momenti di show, gags, e con le solite (o insolite?!) ospitate italiane e internazionali... Portando alla luce, così, uno spettacolo in cui (si spera!) il gusto, la quantita e la qualità la faranno da padrona!
Vi auguriamo dunque una buona visione, invitandovi nuovamente a proporci i vostri commenti più disparati, le vostre critiche, i vostri consigli... Siamo qui per voi!!!
Appuntamento questa sera, RaiUno, ore 21:10..... Che la Musica sia con voi!!!!!

L'altalena di Gianluca Grignani

2009-09-14T19:12:00.007+02:00

In tanti lo hanno più volte definito il nuovo Vasco Rossi… Il suo legittimo erede…
E a dire il vero, Gianluca Grignani non c’è andato troppo lontano. Anzi, tra le nuove leve affacciatesi sulla scena musicale italiana, è stato senz’altro quello con tutte le carte in regola per avvicinarsi all’intoccabile, supremo Re Mida della musica, il Vasco nazionale, appunto.
E ciò è abbastanza palese, se si considera lo stile, il tipo di scrittura, la voce roca, nonché il modo di interpretare le proprie canzoni.
Di certo, c’è che Grignani ci ha messo anche del suo per non arrivare al top, per non raggiungere quelle vette su cui solo i grandissimi hanno un posto riservato.
Eh già, perché l’artista lombardo, nel mezzo della sua crescente e promettente carriera, s’è un pò perso per strada. Più per motivi personali, forse, che artistici o professionali. E ciò non è certamente una novità per gli artisti, i musicisti in particolare. Il binomio successo-smarrimento, fama-eccesso è, infatti, un dejà vu… Gianluca Grignani vive a suo modo, da “artista”, verrebbe da dire… E nello scorrere della sua vita e della sua carriera alterna, come una girandola impazzita, successi e turbolenze, capolavori e cadute nell’oblio. In questo contesto, si inserisce purtroppo, in maniera prepotente, l’uso di cocaina e alcool… Quasi ad alimentare lo stereotipo del bello e dannato, di cui Grignani ne incarna l’emblema.
Ma, come accade spesso nella vita dei grandi, arriva il tempo in cui le cadute e i crolli lasciano il posto alle risalite e alle rivincite. E Grignani non è certo il tipo che getta la spugna…
Adulato da milioni di ragazzine, anche per motivi estetici, ma non solo, a Grignani va comunque dato il merito di aver plasmato un proprio stile… E in un mondo (canoro, ma non solo!) in cui riproduzioni e scimmiottamenti ridicoli proliferano a dismisura, questo è un dato non certo trascurabile.
Innumerevoli le canzoni scritte da Grignani, entrate di diritto nell’antologia della musica italiana. Sin dalle sue prime apparizioni, a Sanremo Giovani con La mia storia tra le dita, nel 1994, e con l’indimenticata Destinazione Paradiso, nella categoria Nuove Proposte del Festival (1995), l’artista lascia indubbiamente il segno, vendendo milioni di copie e ricevendo addirittura un Telegatto come artista rivelazione dell’anno.
Nel 1999 la sua seconda apparizione a Sanremo, col suo Il giorno perfetto. Tre anni dopo, 2002, ritorna al Festival con la bellissima Lacrime dalla luna, brano che prelude all’uscita del disco Uguali e diversi, lavoro che rimane per diverse settimane nelle vette delle classifiche dei dischi più venduti, grazie anche al singolo-tormentone estivo, L’aiuola, brano molto “simpatico” e frizzante, musicale, fresco e divertente, con un bel sound, che richiama l’attenzione anche grazie alla frase equivoca “Ti raserò l’aiuola”… Doppiosenso??? Non è dato sapere…
Nel 2003 Grignani frantuma le speranze di tutte le sue fans, sposando la compagna Francesca, unione da cui nascono due figlie, Ginevra e Giselle, dando avvio alla nuova vita del Grignani papà!
Nel frattempo, vengono alla luce anche altri bei pezzi, tra cui Mi stracci il cuore, Succo di vita, Che ne sarà di noi, colonna sonora dell’omonimo film del bravo regista Giovanni Veronesi, con protagonista il giovane Silvio Muccino. Ed ancora, Il re del niente, Bambina dallo spazio, Arrivi tu.
Quarta partecipazione, nel 2006, al Festival di Sanremo, dove presenta il brano Liberi di sognare che, a dispetto dell’eliminazione già al primo turno, registra però un buon riscontro radiofonico e di vendite. L’appuntamento col Festival si rinnova nel 2008, quando Grignani si piazza all’ottavo posto con Cammina nel sole, canzone dalle sonorità country-rock, che anticipa l’omonimo album Cammina nel sole, arrangiato e prodotto dal maestro Fio Zanotti e ricco di collaborazioni importanti, come quelle di Dodi Battaglia alle chitarre e Saturnino al basso.
Da sottolineare poi, nell’aprile scorso, la partecipazione dell’artista all’incisione del brano Domani 21/04.09 di Mauro Pagani, dedicata alle vittime del terremoto d’Abruzzo, insieme a molti altri suoi colleghi.
Una carriera di tutto rispetto, dunque, quella di Grignani, ricca di alti e bassi, cadute e risalite… In fondo, semplicemente una fedele riproduzione della vita…
L’augurio è che il cantautore, ma soprattutto l’uomo Grignani, possa imprimere la sferzata decisiva alla propria vita, compiendo finalmente quel breve passo che gli faccia recupare quel posto, ancora vuoto, nell’olimpo dei mostri sacri... Dove gli altri grandissimi della musica, già da tempo, lo attendono.

Un'estate fa...1987

2009-09-11T15:45:00.024+02:00

Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)

Anche se il clima ormai inizia a fare le bizze, la stagione estiva per noi non è ancora finita (ci crediamo fermamente!), come del resto ci dimostra il calendario che è dalla nostra parte e lo sarà fino al 21 settembre.
Adagiati quindi sul nostro lettino, all’ombra di un ombrellone su una spiaggia ormai quasi del tutto deserta, ritorniamo con la nostra rubrica a rivisitare i successi di qualche estate fa.
Siamo ancora nei “favolosi” anni ’80, più precisamente nel 1987 e, dando un’ occhiata alla classifica estiva di quell’ anno, non possiamo non notare nomi antisonanti quali Madonna, il compianto Michael Jackson e un “eccitato” George Michael con la sua “I Want Your Sex”, che ne occupavano i primi posti.
Ma tra gli altri, il pezzo che vogliamo mettere in risalto questa volta, appartiene alla grande Whitney Houston, che per lanciare il suo secondo album “Whitney” ne pubblica come primo estratto il singolo “I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)”.
Il grande successo, peraltro già raggiunto grazie al primo album con il quale aveva battuto tutti i record di vendita, arriva anche per questa canzone e diventa se possibile, ancora maggiore.
Il pezzo debutta al numero uno delle classifiche americane (rimanendoci per tre settimane consecutive) e diviene una hit di enormi proporzioni in tutto il mondo, infrangendo record su record e contribuendo quindi a far diventare la Houston una delle cantanti più famose del pianeta.
Una canzone davvero straordinaria dunque, nella quale spicca la sua grandissima estensione vocale, che qui raggiunge dei registri altissimi, e che le fa guadagnare persino un Grammy Award (equivalente dell’Oscar per il cinema) come miglior performance pop femminile.
Da lì in poi , i successi si susseguiranno per questa grandissima interprete (uno per tutti, la celeberrima “I Will Always Love You”, colonna sonora del film “The Bodyguard”).
Ma anche la sfortuna purtroppo non si farà attendere.
Sfortuna che per lei aveva anche un nome: Bobby Brown, suo ex marito. A causa infatti dei suoi continui maltrattamenti, Whitney iniziò a far uso di droghe pesanti (che la portarono molto vicina alla morte), dalle quali solo da poco tempo, per fortuna, è riuscita a disintossicarsi, grazie anche al divorzio dal suo ex nel 2006.
E dopo un lungo silenzio, causato appunto da questi problemi, è ritornata da qualche giorno con un suo nuovo album “I Look To You”, che oltre ad aver ottenuto un discreto successo di critica, è balzato direttamente al numero uno nelle classifiche americane.
Auguriamo quindi tutto il bene possibile a Whitney Houston, pregevole donna e grande protagonista della musica pop internazionale, sperando che possa presto trovare “qualcuno con cui ballare”, che la ami per davvero però…

Whitney Houston I Wanna Dance with Somebody

Un'estate fa...1986

2009-09-03T11:14:00.010+02:00

Tracy Spencer - Run To Me

Il clima estivo non ci sta abbandonando, pertanto la nostra rubrica può proseguire senza intoppi. Oggi la tappa ci porta al 1986, un anno che consacrò cantanti del calibro di Madonna, U2, Spandau Ballet, Whitney Houston. Ma non montiamoci la testa. Oggi daremo spazio a un nome che, alla sola pronuncia, ci fa riecheggiare qualcosa di conosciuto: Tracy Spencer.
La sua fama la si deve a Claudio Cecchetto, che scoprì questa giovane cantante londinese e la lanciò sulla scena italiana prima, e su quella internazionale poi.
Il brano che le permise di scalare le vette della hit parade è senza dubbio Run to me, cover di un desaparecido cantautore, Ray Foster. Un pezzo davvero forte, che ricalca il genere dance di quegli anni e che ha fatto ballare milioni di ragazzine in fuseaux.
L’intuizione di Cecchetto fu molto proficua a tal punto da consentire, a questa one hit wonder, di vincere il Festivalbar. Il successo si ripercosse anche nel cinema. “Kolossal” cinematografici come Scuola di Ladri e Rimini Rimini fecero affidamento a questo tormentone estivo.
Per Tracy Spencer il tempo sembra che si sia fermato. Come del resto la carriera.

Adriano Celentano: Il Silenzio che fa Rumore

2009-08-31T17:07:00.003+02:00

Ci sono bravi cantanti e grandi cantautori… Eccellenti interpreti e talentuosi artisti… E poi c’è Adriano Celentano…
Il Molleggiato è tutto questo e molto, molto, molto di più…
Cantante, autore, musicista, attore, presentatore, interprete autorevole, comunicatore, front man, predicatore… Può bastare? A ben pensarci qualcos’altro spunta fuori!
Dire Celentano equivale a parlare della musica (quella che conta), del talento, della storia…
Comunque la si pensi e qualunque possano essere i gusti musicali, Adriano Celentano è un leader.
E non è un giudizio opinabile. Come lo si può chiamare, altrimenti, l’uomo più imitato nella storia? Uno che riesce a catalizzare l’attenzione e a far notizia qualunque cosa faccia? Celentano si è mosso in quel modo? Ha accennato quel passo? Ha detto questo anziché quello? Tutto diviene moda, tutto fa notizia, tutto fa parlare di sé… per dirla con parole sue, Celentano è rock!
Talmente influente, che anche i suoi silenzi, le sue celeberrime “pause”, fanno rumore, pesano, sono eloquenti ed incisive. Scatenando l’idolatria dei suoi fans e la rabbia dei suoi detrattori. Eh già, perché Celentano non mette certo d’accordo tutti: le sue dichiarazioni e il suo modus operandi provoca anche malcontento, stupore, indignazione… Ma tutto ciò contribuisce al personaggio, innalzandolo e ponendolo su quel piedistallo dove solo lui riesce a rimanervi in equilibrio, senza oscillare.
Ed è chiaro che solo i grandissimi possono permettersi cose del genere. Anzi, solo lui può farlo.
Dotato di un’eccellente capacità interpretativa, l’artista milanese, che ha mosso i primi passi nel famoso “Clan di Celentano”, è dotato di un particolare timbro di voce, senza dubbio accattivante e, come l’ha definita Gianna Nannini in un’intervista, “La voce maschile più sexy d’Italia”.
Celentano, infatti, col proprio modo di cantare, dona spessore e qualità ad ogni pezzo interpretato.
Se poi si pensa che, oltre alla voce, può permettersi il lusso di avere, come collaboratori, una squadra di musicisti e autori (è facile pensare che chiunque pagherebbe per scrivere e lavorare con e per Celentano) tra i migliori sulla piazza, beh, ecco che il gioco è fatto. Ecco dare alla luce album ricchi di canzoni memorabili… Ed ecco scatenarsi una vera e propria pioggia di copie vendute nel corso degli anni. Adriano Celentano può vantare di aver inciso pietre miliari della musica italiana di tutti i tempi: 24mila baci, Il tuo bacio è come un rock, Pregherò, Sei rimasta sola, Il ragazzo della via Gluck, Storia d’amore, Il tempo se ne va (video sotto), Soli, tra i pezzi della prima era, passando poi ai tempi più recenti (in cui è cominciato il sodalizio con Mogol, autore della maggior parte dei testi dei suoi ultimi lavori, e Gianni Bella, autore delle musiche) con brani come L’emozione non ha voce, L’arcobaleno (pregevole canzone dedicata a Battisti), Per averti, C’è sempre un motivo, ed ancora Acqua e sale (interpretato con Mina, canzone che ha registrato un numero incredibile di copie vendute!), Tu hai bucato la mia vita, Dormi amore, La situazione non è buona (scritta da Tricarico) e tante tante ancora.
Facendo un paragone calcistico, Celentano è senza dubbio uno di quei registi di pura classe, la punta di diamante che ogni volta che tocca il pallone, sai già che qualcosa di buono la farà… E’ l’autore di giocate imprevedibili e d’autore, che mettono k.o. gli avversari… Celentano è colui che scandisce i ritmi, detta i tempi, orchestra ed illumina il gioco. E che alla fine va anche spessissimo in rete. Un pezzo da novanta dunque. E tutto ciò lo dimostra anche nei suoi show che, se da un lato rappresentano una vera e propria patata bollente per i dirigenti Rai, consapevoli di essere relegati al ruolo di spettatori inermi di fronte all’uragano Celentano, il quale pretende assoluta carta bianca (e come potrebbe essere diversamente?!) per dar vita a veri e propri eventi, ricchi di imprevedibilità e originalità, parole chiave in tutto ciò che riguarda il Molleggiato, dall’altro rappresentano vere e proprie arene, in cui il gladiatore Celentano gioca con illustri ospiti, regalando un alternarsi di emozioni e riflessioni e tenendo incollati allo schermo milioni e milioni di telespettatori. E tra un’interpretazione da brivido e un passo alla Molleggiato, una predica e un’intervista, una battuta e una “pausa”, il “Re degli ignoranti” registra e inanella successi su successi, abbattendo record su record… Una vita e una carriera ineguagliabili, quindi… Di quelle che hanno lasciato un segno indelebile.
E la sua firma, Celentano l’ha messa non solo sul passato e sul presente, ma, ne siamo certi, è impaziente di metterla sul prossimo progetto che lo riguarderà, e che lo vedrà il solito mattatore e protagonista indiscusso.
Appuntamento dunque alla prossima canzone, al prossimo show, alla prossima predica, alla prossima “pausa”… Alla prossima “Celentanata”!

Un'estate fa...1985

2009-08-28T11:33:00.013+02:00

Duel - Propaganda

Con il nostro jukebox estivo (virtuale) vi riportiamo oggi all’estate del 1985.
Era l’anno di “We are the World” del supergruppo USA for Africa (che potremmo definire un prodotto del Live Aid), ma anche dei Fratelli Righeira che per tutto il mese di Agosto “tormentavano” i bagnanti con la loro “L’estate sta finendo”.
Ma un’altra band diede il suo contributo a formare la colonna sonora di quelle calde giornate: stiamo parlando dei Propaganda, con il loro pezzo di maggior successo “Duel”.
Gruppo di origine tedesca che venne formato nei primi anni ’80 da Andreas Thein e Ralf Dorper, ai quali si aggiunsero dopo Michael Mertens e le cantanti Susanne Freytag e Claudia Brucken.
La loro fortuna ebbe inizio quando Trevorn Horn, già cantante dei Buggles (quelli di “Video Killed The Radio Star”), poi degli Yes, nonché grande produttore di successo, li notò e gli procurò un contratto con la ZTT Records, di cui egli stesso era cofondatore.
La band quindi si trasferì in Gran Bretagna e pubblicò proprio nel 1985 il suo primo album “A Secret Wish” che conteneva il singolo di cui oggi vi parliamo: “Duel”.
Si trattava di un album Sinth-pop che faceva ampio utilizzo dell’elettronica, molto in voga in quegli anni, con dei testi comunque abbastanza ricercati, nel quale spiccava la voce nasale ma molto particolare della vocalist Claudia Brucken.
Il disco ebbe un discreto successo di critica, ma anche le vendite andarono molto bene, grazie anche alla spinta commerciale di “Duel”, che per la verità era il pezzo meno impegnato di tutta la produzione.
Ma la fortuna iniziata con questo album li abbandonò subito dopo l’uscita dello stesso: iniziarono infatti i primi dissapori con la casa discografica ZTT, alla quale secondo il contratto ormai firmato, andavano tutti gli introiti del disco (si dice infatti che solo nel 2001 i membri della band ricevettero i primi guadagni per i diritti di questo album, ma si trattava solo di poche decine di sterline).
Questo portò purtroppo, allo scioglimento del gruppo, i cui componenti seguirono delle carriere separate, senza mai riscuotere lo stesso grande successo avuto con “Duel”.
Riascoltiamo allora questo pezzo, accompagnato da un bel video e omaggiamo così a una delle band simbolo degli anni ’80…

Un'estate fa...1984

2009-08-04T14:45:00.008+02:00

Movin' On - Novecento

La nostra rubrica, in questa occasione, si occuperà di un anno bisestile, il 1984 e facendo i debiti scongiuri post-datati parleremo di un gruppo che ha fatto storia nel secolo scorso e soprattutto in quest’anno. Il nome è già un secolo, Novecento.
La band nacque proprio nel 1984 dai fratelli Nicolosi (Pino, Lino e Rosanna) e da Dora Carofiglio, (futura moglie di Lino), e l’esordio è da incorniciare. Il brano Movin’ On permise loro di vendere 100.000 copie e di raggiungere i primi posti dell’hit parade estiva.
Nonostante i Novecento abbiano influenze funky e jazz, Movin’ On rispecchia le sonorità dance dell’epoca ed anche attuali, ed infatti, è abbastanza strano che oggi il pezzo sia trascurato. Quindi ci sobbarchiamo questo piacevole onere e diamo “voce” ai Novecento.
La famiglia Nicolosi ancora oggi produce musica. Hanno intrapreso anche la carriera di produttori, collaborando con artisti soul e jazz. L’ultimo album risale al 2008, Secret.

Un'estate fa...1983

2009-07-25T12:23:00.008+02:00

Sunshine Reggae - Laid Back

Il nostro tram sulle hits estive si ferma all’anno 1983. Chi ha avuto modo di vivere e trascorrere quell’anno, avrà, almeno una volta, introdotto 100 lire nel juke-box degli stabilimenti balneari (ex rotonde).
E i gusti uditivi dell’epoca relegavano ai primi posti un brano che ancora oggi regala freschezza e allegria. Un brano tipicamente estivo e sempreverde. Si parla di Sunshine Reggae.
Già riaffiora una ballata molto nota e orecchiabile. Un po’ meno orecchiabile, o addirittura sconosciuto, è il nome del gruppo: Laid Back. Si tratta di un duo danese, nato a Copenaghen nel 1979 e formato da Tim Stahl (tastiere) e John Guldberg (chitarra). A prima vista possono sembrare due protagonisti di un fotoromanzo, ma dietro il loro viso scandinavo si nasconde una vena musicale influenzata dal synth e dal funk.
Nel 1983, reduci dal successo di White Horse, incidono la splendida Sunshine Reggae, accompagnandola con un simpatico videoclip tropicale (in basso). Questo pezzo piace talmente tanto che Prince decide di condividere la sua When Doves Cry con la B-Side di Sunshine Reggae.
Oggi, seppur in patria, riscuotono ancora consensi e noi ce li gustiamo con un cocktail in mano, magari sotto un ombrellone con l’Ipod nelle orecchie e con la nostalgia dei juke-box…e delle 100 lire.

Lorenzo Cherubini: un "Jovanotti" maturo

2009-07-22T00:51:00.006+02:00

Si suole dire spesso che il vino migliora col passare del tempo.
Effettuando un processo analogico, possiamo trasferire in campo musicale questo vecchio detto e applicarlo ad uno dei cantautori italiani più affermati, seppur anagraficamente ancora molto giovane.
Parliamo di Lorenzo Cherubini, il sempreverde Jovanotti nazionale.
Nato come dj ribelle, assiduo frequentatore di discoteche (suo habitat naturale), il giovane Lorenzo viene notato dal produttore Claudio Cecchetto, il quale (impavido!) riesce a scrutare in quello spilungone filiforme un potenziale artista. Ma, siamo sicuri, nemmeno l'ottimista Cecchetto avrebbe immaginato che Jovanotti, in un futuro prossimo, sarebbe diventato quell'artista di valore che è oggi, considerato uno dei punti fermi della discografia italiana.
Ed infatti, i suoi primi pezzi ("Ciao mamma"," Vasco"," La mia moto") non lasciavano presagire nulla di buono, nè di promettente. Fino a quando però, intorno ai primi anni '90, la carriera di Jovanotti subisce una sferzata in positivo e inimmaginabile fino ad allora. Le pseudo canzoni della prima era cominciano a cedere il passo a testi via via più autorevoli e impegnati, e a musiche più convincenti e meno scontate.
Degna di nota la raccolta "Lorenzo 90-95", ricca dei più bei pezzi già editi, ma contenente anche un nuovo singolo, uno dei migliori e più riusciti pezzi della sua storia artistica: "L'ombelico del mondo".
Da li in avanti è un susseguirsi di successi! L'appellativo Jovanotti comincia ad essere affiancato dal nome e cognome dell'artista; quasi un modo per mettere un po' da parte il fanciullino tutto 'sorrisi e fiesta', in favore di una più marcata identità dell'uomo e del suo nuovo lato artistico.
La svolta per il cantautore toscano. I successivi lavori, "L'albero" e "Capo Horn" suggellano le capacità e il talento di Jovanotti, che inanella una sfilza di pezzi di successo: "Bella", "Questa è la mia casa", "Luna di città d'agosto" (video sotto), "Per te", "Un raggio di sole"," Stella cometa" (tutte canzoni appartenenti ai due citati album "L'albero" e "Capo Horn", appunto). E poi ancora "Tanto"," Mi fido di te", "Falla girare", "Una storia d'amore" (tratti da "Buon Sangue").
Lorenzo Jovanotti è oggi considerato non soltanto uno dei più grandi artisti e cantautori italiani, capace di vendere milioni di dischi (fattore ancora più eclatante in un contesto di crisi discografica come questo!); ma egli è anche il promotore di uno stile che, prima che lui stesso lo sdoganasse, non esisteva in Italia. Jovanotti è di fatto il re del genere pop-rap italiano.
E nel 2008 è giunto anche un riconoscimento molto prestigioso: il rapper è stato infatti insignito del 'Premio Mogol', come miglior testo dell'anno, per la canzone "Fango" (primo singolo che apre il suo ultimo lavoro, "Safari", album ancora in classifica, dal quale a tutt'oggi sono stati estratti 6 singoli: "Fango", appunto, "A te"," Safari", "Come musica","Mezzogiorno", "Punto").
Niente male per uno che si è presentato al grande pubblico 'partorendo' testi come i già citati "Vasco" e "La mia moto", e tante altre canzoncine dai ritornelli a dir poco elementari!
Se poi aggiungiamo che Jovanotti, da sempre, si schiera in prima linea in ogni progetto a scopo benefico (ultimo, in ordine di data ma non di importanza, il singolo "Domani", scritto in seguito alla tragedia che ha colpito l'Abruzzo e nato da un'idea dello stesso Lorenzo e di Giuliano Sangiorgi), non si può che ammirare e fare un plauso ad un artista dal talento puro e dal cuore grande.

Un'estate fa...1982

2009-07-18T18:17:00.012+02:00

Bravi Ragazzi -Miguel Bosè

Quando si parla dell’estate del 1982 è facile pensare alla vittoria degli azzurri di Bearzot nei mondiali di calcio in Spagna. Ma la penisola iberica non ci regalò solo successi sportivi. L’estate del 1982 viene ricordata anche per un artista spagnolo, che entrò prepotentemente sulla scena musicale italiana. Le donne, all’annuncio del suo nome, saranno attraversate da un brivido ormonale.
Parliamo di Luis Miguel Luchino González Borloni, in arte Miguel Bosè. Un predestinato potremmo dire. Figlio dell’attrice italiana Lucia Borloni, in arte Lucia Bosè, e del torero spagnolo Luis Miguel González Lucas, alias Luis Miguel Dominguín. Da questa giungla di nomi, pseudonimi e cromosomi perfetti, uscì fuori Miguel Bosè, il cui nome viene ricollegato, non solo al mondo canoro, ma anche a quello cinematografico.
La sua raccolta uscita proprio in quell’anno, Bravi ragazzi - I grandi successi di Miguel Bosé, era monopolizzata dalla title track, Bravi Ragazzi. Un vero e proprio inno generazionale, scritto dalla collaudata e rinomata coppia Morra-Fabrizio. Questo brano consentì al “bravo ragazzo” di vincere il Festivalbar, bissando la vittoria del 1980 con Olympic Games (nel 1994 lo vinse per la terza volta con Se Tu Non Torni), e di scalare la hit parade dell'estate.
Ascoltando questo trascinante pezzo, ci accorgiamo di quanto il testo sia attuale, a tal punto da poterlo accostare ai problemi dei ragazzi del 2009. Camminiamo allo sbando, in un mondo che sta quasi per toccare il fondo… Ma chi se ne frega!! Cantiamo!!!

Reggae 'n' Roll: The Police

2009-07-11T02:08:00.008+02:00

Potremmo definire “breve ma intensa” la storia di questo gruppo che in pochi anni è riuscito a rinnovare con idee geniali sempre molto azzeccate, la musica rock a cavallo tra i ’70 e gli ‘80.
Tutto ebbe inizio nel 1977 quando Stewart Copeland, batterista dalle grandi capacità tecniche, fondò in quel di Londra, insieme al bassista/cantante Sting (ex insegnante di letteratura inglese e appassionato di jazz) ed al chitarrista Andy Summers, una band alla quale dette il nome di Police.
Cavalcando la new wave, inizialmente il gruppo si accostò a sonorità perlopiù Punk, come era nelle intenzioni di Copeland.
Già con il primo album, “Outlandos d'Amour”, pubblicato nel ‘79, grazie anche alle molteplici esibizioni live che lo accompagnarono, la fama della band cominciò ad aumentare.
I singoli che ne furono estratti confermarono le loro grandi potenzialità: “Roxanne” , "I Can't Stand Losing You", "So lonely" divennero delle hit, sia nel Regno Unito che negli USA.
“Roxanne” in particolare, il loro primo singolo, rappresenta ancora oggi uno dei più grandi classici dell’intera produzione del gruppo.
Ma è con la pubblicazione del secondo album che il loro stile prese una direzione molto più innovativa rispetto agli esordi: miscelando sapientemente il Reggae al Rock, infatti, i Police diedero al loro sound quel tocco di genio in più che li avrebbe consegnati alla storia.
Pubblicato nell’ottobre del ’79, “Reggatta de Blanc” è infatti, il disco dei Police in cui le influenze della musica reggae sono più marcate.
Contenente hit come “Walking on The Moon” e soprattutto la pietra miliare “Message in the Bottle”, questo cocktail di sonorità ottenne consensi sia da parte della critica che dal pubblico raggiungendo la vetta di tutte le classifiche e portando così la band all’apice del successo.
E il tour mondiale intrapreso per promuovere il disco ne fu la conferma, grazie a concerti trascinanti e impeccabili.
Seguirono gli album “Zenyatta Mondatta” (1980) e “Ghost In The Machine” (1981), che pur continuando a dominare le classifiche, delusero in parte i fan della prima ora a causa della loro intrusione nel mondo della musica pop.
Anche se pezzi come "Don't Stand So Close To Me", "De Do Do Do, De Da Da Da" e "Every Little Thing She Does Is Magic", forse minori rispetto ai precedenti, non possono essere di certo sottovalutati, come infatti dimostrarono le vendite.
Nonostante il grande successo però, già a questo periodo si fanno risalire i primi malumori tra i membri della band, soprattutto tra Sting e Copeland, a causa forse del loro interesse a portare avanti carriere soliste.
Esce comunque nel 1983, ormai quasi inatteso, il quinto album da studio dei Police, “Synchronicity”… ed è un capolavoro!
Insieme a “Reggatta de Blanc”, forse il loro miglior prodotto. E a sancirlo furono anche i singoli da esso estratti, “Wrapped Around Your Finger” e la celeberrima “Every Breath You Take”, numero uno in classifica, insieme allo stesso album, in tutto il mondo, per settimane.
Ma, per quella che spesso è una costante nella storia del rock, i Police (dopo la tournée mondiale per promuovere il disco) si sciolsero all'alba del 1984, a causa di quelle incomprensioni che da tempo ormai serpeggiavano nel gruppo.
Non fu però una separazione ufficiale e, sebbene non venne mai prodotto un nuovo album, diverse furono le occasioni di reunion.
Ultima delle quali avvenne nel 2007, quando per festeggiare i trent’anni dalla nascita, la band decise di intraprendere un tour mondiale.
Tour che, dopo aver ottenuto un enorme successo praticamente in tutte le date (anche in Italia, allo Stadio delle Alpi di Torino, con 65.000 spettatori e all’ Heineken Jammin' Festival di Mestre), si concluse il 7 agosto del 2008 con l’ultimo concerto avvenuto al Madison Square Garden di New York, che sancì purtroppo il definitivo scioglimento di questo grande gruppo.
A noi rimane comunque, oltre alla grande eredità musicale lasciataci, anche la possibilità di seguire le singole carriere soliste che i tre in seguito hanno intrapreso, tra le quali di certo spicca quella del loro leader carismatico, nonché voce e basso, Sting, che tra alti e bassi ci ha regalato e continua a farlo, diversi album sicuramente degni di nota, con molti pezzi divenuti ormai dei grandi classici.
Ma la sua, come anche quella di Copeland e di Summers, è sicuramente un’altra storia.
Una storia certo molto importante, ma non irripetibile e grandiosa come fu quella dei Police.

The Police - Message In A Bottle

Un'estate fa...1981

2009-07-06T17:33:00.008+02:00

Enola Gay - O.M.D. Orchestral Manoeuvres in the Dark

L’estate è sempre stata sinonimo di tormentoni musicali, diventati colonna sonora delle nostre vacanze e dei nostri ricordi. E cavalcando questa “onda” musicale, vogliamo dare vita a una nuova rubrica, che si occuperà di far rammentare le hits che hanno segnato i mesi estivi degli ultimi 30 anni. Il nome più appropriato ci è sembrato Un’estate fa, (titolo di un famoso brano di Franco Califano).
Il nostro anno di partenza sarà il 1981 e l’estate segnava, oltre ai classici 40° gradi del meteo, anche una febbre musicale generata da un brano degli O.M.D. (Orchestral Manoeuvres in the Dark), gruppo synth pop britannico fondato nel 1979. Questo brano, oltre ad avere una sonorità molto elettronica, era caratterizzato da un titolo che richiamava un triste episodio bellico. Stiamo parlando di Enola Gay, nome dell’aereo militare USA che alle 8:15 del 6 agosto 1945, durante la seconda guerra mondiale, sganciò la prima bomba atomica della storia sulla città giapponese di Hiroshima.
Incluso nell’album Organisation, il singolo Enola Gay fu messo in commercio nel settembre del 1980 e il successo fu talmente planetario che a distanza di mesi stazionava ancora ai vertici delle classifiche hit parade. Ancora oggi è un brano attuale che nonostante la gravità dell’evento che racconta, movimenta le nostre lunghe e calde serate estive, grazie al ritmo tipicamente anni ’80.

Michael Jackson: The King of Pop

2009-06-26T02:00:00.010+02:00

La notizia, improvvisa, è di quelle forti che ti lasciano interdetto, alle quali stenti a credere, della serie “non può essere, è uno scherzo!”… Invece no. Questa volta no.
Michael Jackson è morto.
Il “Re del Pop” , uno dei personaggi più importanti ed influenti della musica moderna, è scomparso, improvvisamente, a causa di un infarto (anche se mentre scriviamo le cause non sono ancora certe).
Effettivamente le sue condizioni di salute, specie nell’ultimo periodo, erano peggiorate sino ad obbligarlo a rimandare il ritorno alle scene (una serie di concerti a Londra, che a suo dire dovevano essere “la sua ultima chiamata sul palco”).
Anche se per la verità, molte di queste notizie sulla sua salute erano poi risultate false.
E comunque nulla di quanto trapelato lasciava presagire una notizia così sconvolgente.
Era nato a Gary, nell’Indiana, nel 1958, da genitori musicisti. E già da piccolo mise in evidenza le sue doti artistiche, divenendo un vero e proprio bambino prodigio.
La sua carriera cominciò nei Jackson Five, insieme ai suoi fratelli.
Ma già nel ’72, quando ancora era un adolescente, venne pubblicato il suo primo album da solista “Got to be There”, al quale ne seguirono altri tre prima che egli cominciasse la sua collaborazione con il grande produttore Quincy Jones, con il quale pubblicò gli album di maggiore successo: “Off the Wall” nel ’79, e soprattutto “Thriller” nel 1982, l’album che con circa 109 milioni di copie distribuite, risulta essere il più venduto della storia.
Successi come “Billie Jean”, “Beat it”, “Human Nature” e la stessa title track (nel video a destra), solo per citarne alcuni, consacrarono la grande statura artistica di questo personaggio, risalendo la vetta delle classifiche di tutto il pianeta.
Al 1987 risale invece l’album seguente, “Bad”, anche questo di grande successo, grazie anche ai ben 9 singoli (!) su 11 tracce che ne furono estratti: da “Man in the Mirror” (nel video a sinistra) a “The Way You Make Me Feel”, fino ad arrivare a “Smooth Criminal” e alla stessa “Bad”, tutti pezzi divenuti pietre miliari della musica pop-rock internazionale.
Ed il consenso del pubblico continuò anche per gli album seguenti: da “Dangerous” del ’91 (“Black or White”, “Heal the World”, “Will You Be There”), a “History” nel ’95, fino all’ultimo “Invincible” che risale al 2001.
Ripercorrendo la sua breve vita, non si può tuttavia fare a meno di notare quanto ad una grande carriera artistica sia corrisposta una vita privata non sempre all’altezza.
Oltre ai suoi problemi con la giustizia, riguardanti le presunte molestie sessuali su minori (dalle quali per la verità venne scagionato), molteplici furono le stranezze, i comportamenti “bizzarri” dei quali egli si rese protagonista: gli innumerevoli lifting al viso, lo scolorimento della pelle (da lui peraltro sempre negato), ed il fatto di voler vivere in una specie di fattoria/parco giochi, da lui ribattezzata “Neverland”.
Atteggiamenti, forse derivati da una brutta infanzia caratterizzata da ripetuti maltrattamenti da parte del padre, che lo facevano apparire come un eterno bambino, un eterno Peter Pan.
Niente può comunque scalfire quella che è stata la sua grande carriera artistica, il grande apporto che egli ha dato alla musica in generale.
Genio irripetibile, ci lascia un’eredità di inestimabile valore.
R.I.P. Michael Jackson.

La Cantina del Vinile: Frankie Goes To Hollywood

2009-06-16T18:48:00.008+02:00

Mentre cercavamo un po’ di refrigerio nella nostra cantina, abbiamo rispolverato un vecchio gruppo che definire epico è poco. Un gruppo che segnò il panorama musicale degli anni ’80, abbinando il punk al pop melodico del periodo.
Il loro nome è più lungo della loro carriera. Sono i Frankie Goes To Hollywood. Band di Liverpool nata nel 1982 e composta da Holly Jonhson (cantante), Marc Rutherford (vocalist), Peter Gill (batteria), Mark O'Toole (basso) e Brian Nash (chitarra). Il nome del gruppo pare che abbia preso spunto dalla copertina di un magazine che ritraeva Frank Sinatra.
Il loro ingresso sulla scena mondiale avvenne nel 1983 con il singolo Relax, brano che fece molto scalpore per il videoclip, che ritraeva scene di sadomaso omosessuali. Questo costò loro la censura del brano. Ma fu una manna dal cielo, perché ciò provocò un’enorme pubblicità che si tramutò in vendite.
L’anno seguente uscì il loro primo album, Welcome to the Pleasuredome, che oltre a contenere Relax, includeva due altre hit, Two Tribes e The Power of Love. Con questi due ulteriori singoli, i FGTH vantano un record. Sono, insieme ai Gerry and The Peacemakers, l’unica band britannica ad aver avuto, consecutivamente, tre singoli al primo posto delle classifiche mondiali.
Ma l’effetto dei loro testi e dei loro videoclip continuò anche negli altri singoli. Two Tribes è ricordato per una scazzottata tra i presidenti di Usa e Urss, Reagan e Cernenko. The Power of Love ripercorreva una rappresentazione della Natività molto alternativa.
Il loro dominio nelle radio durò anche nel 1985, anno in cui si presero una pausa. Nel 1986 registrarono il loro secondo album Liverpool, che rappresentò l’inizio del loro declino che li portò a sciogliersi nel 1987. Holly Johnson e Marc Rutherford provarono la carriera da solisti ottenendo poco successo.
Nel 1993 Johnson dichiarò di essere sieropositivo. Nel 2004, i Frankie Goes To Hollywood furono invitati a riunirsi in occasione di un programma televisivo e subito dopo Holly Johnson diede l’addio al gruppo lasciando il posto alla new entry Ryan Molloy, che divenne il nuovo frontman.
Prima di lasciarci, vorremmo regalarvi ciò che resta del loro percorso musicale, fatto non solo di “colpi di testa” ma anche di molta magia. Un pezzo che è rimasto negli archivi dei nostri ricordi musicali. The Power of Love, un brano che non merita di essere descritto, ma solo ascoltato…

Franco Califano: l'uomo e il poeta

2009-06-04T15:01:00.006+02:00

La tecnica più eccellente, l’estensione e la precisione vocale non sempre sono sinonimo scontato di emozione. Non sempre sono sufficienti a raggiungere lo scopo ultimo dell’esibizione di un’artista: regalare suggestioni, toccare l’anima di chi ascolta e s’aspetta qualcosa di bello…
Per ottenere ciò, è invece necessaria quella capacità interpretativa innata, quella bravura tale da riuscire a donare qualcosa di se stessi e di ciò che si vuole esprimere nell’animo altrui.
Verità assoluta, questa!
Ebbene… esempio emblematico di tutto ciò è il noto cantautore Franco Califano, per gli amici il Califfo.
Penna sopraffina, autore di una miriade di testi leggendari (per sé e per altri grandi artisti), nonché interprete che, seppur non dotato, appunto, di ottime qualità vocali, è riuscito a cogliere sempre il segno, diffondendo nelle orecchie e nel cuore di chi lo ha ascoltato irripetibili sensazioni.
La grande Mina, per la quale Califano scrisse un intero album (apprezzato dalla critica, ma passato inosservato agli occhi del grande pubblico), disse di lui che sarebbe stato in grado di interpretare qualsiasi brano, in quanto il suo modo unico di esibirsi e quella sua inconfondibile voce roca, avrebbero reso unica e originale qualsiasi sua esibizione.
Molteplici gli appellativi di cui il Califfo è stato insignito nel corso della sua lunga carriera: “il Prevert di Trastevere”, “il Brel romanesco”, “il Pasolini della canzone”, “il Belli di quest’epoca”, “un personaggio kafkiano”… Semplicemente “maestro” per i suoi fedelissimi fans.
Da sempre il pubblico italiano si è diviso, circa il ruolo e l’impatto che Califano ricopre: artista, poeta, maestro, play boy, unico, per alcuni… Maledetto, eccessivo, trash, cafone, inaffidabile e da censurare, per altri.
Ma Franco Califano, simbolo italiano, è l’uno e l’altro… E’ il bene e il male… il giusto e lo sbagliato…
Ma proprio per questo, Unico!
Amante incallito della libertà, valore che canta e decanta da sempre, è insofferente rispetto ai rapporti d’amore durevoli; nessuna donna (delle circa millecinquecento avute!) è mai riuscito a rapire il suo cuore e ad incatenarlo a sé… E del resto è giusto che sia così. Non potremmo mai immaginare Franco Califano a passeggio nel parco con moglie e figli, pronto a rincasare alle nove della sera e ad addormentarsi sul divano vicino alla tv… Non sarebbe il Califfo che amiamo!
Califano asserisce spesso che egli racchiude nel proprio animo due altri grandi artisti italiani: Vasco Rossi (il quale dichiarò che il suo più celebre successo, Vita spericolata, la scrisse pensando proprio a lui!) e Francesco De Gregori, altro grandissimo poeta e cantautore nostrano.
Deciso, forte, sicuro di sé, disinibito, disincantato, obiettivo, coerente, originale, Califano è stato spesso boicottato e vittima di censura, considerato un personaggio scomodo, proprio per il suo essere così diretto, schietto, senza peli sulla lingua (e alle volte anche un po’ sboccato!).
Ma la gente continua ad amarlo, a sostenerlo e ad osannarlo ad ogni sua apparizione, televisiva, radiofonica o live che sia.
Franco Califano verrà comunque sempre ricordato come un illustre ed attento autore, molto amato da interpreti femminili, proprio per la sua capacità di immedesimarsi in loro, grazie alla grande sensibilità e rispetto che egli ha avuto verso le donne, quasi innalzandole e ponendole su di un piedistallo. Tra i tanti successi che ha firmato, ricordiamo: E la chiamano estate, La musica è finita, La mia libertà (canzone manifesto del suo pensiero e del suo stile di vita), Un’estate fa, La nevicata del ’56, Minuetto (uno dei brani più pregevoli, più riusciti e più amati della discografia italiana di tutti i tempi!)… Fino al suo cavallo di battaglia, Tutto il resto è noia, frase “cult” studiata e analizzata anche in diverse lezioni di filosofia.
Il Califfo, dunque, ha scritto pagine importanti della musica, dando vita a vere opere d’arte, tutte annodate da quel minimo comune denominatore che contraddistingue ogni lavoro dell’artista: l’emozione e la suggestione sempre presenti in ogni sua composizione, e che fungono da filo conduttore negli svariati capolavori realizzati nella sua decennale carriera.
E con l’arrivo della bella stagione, Franco Califano esce dalla sua tana e torna sulla scena musicale con un album nuovo di zecca, C’è bisogno d’amore, (a quattro anni dall’ultimo, Non escludo il ritorno) che comprende 12 brani, di cui 8 inediti, e tante collaborazioni importanti: Federico Zampaglione, con cui duetta nel brano La nevicata del '56 (video sotto), Simona Bencini, Nicky Nicolai e Stefano Di Battista, Fabrizio Bosso, Renato Vecchio.
Il lavoro si apre con l’omonimo singolo C’è bisogno d’amore, dal testo interamente scritto dal maestro, e ripropone anche alcuni suoi grandi successi, rivisitati e riarrangiati per l’occasione.
Gli si possono tarpare le ali… Lo si può denigrare… Anche censurare… Ma la qualità e la poesia del grande Califfo sono oramai inarrestabili ed immortali, come è giusto che sia.
Onore, dunque, al personaggio, all’autore, al poeta, all’artista… E all’uomo Franco Califano.

Poesia e musica: The Doors

2009-05-28T17:06:00.014+02:00

Forse è una tradizione ormai perduta, ma fino a pochi anni fa, la maggior parte dei diari scolastici o personali (soprattutto delle ragazze) erano pieni, oltre che dei propri pensieri, anche di frasi pronunciate da poeti e cantanti celebri.
Le più gettonate erano sicuramente quelle scritte da uno dei più grandi miti della musica rock, nonché poeta ispirato: Jim Morrison.
Proviamo allora a conoscere meglio questo personaggio e l’influenza che egli ha avuto nel mondo musicale.
In effetti, ci sapeva fare con le parole Jim e tra i primi ad accorgersene fu un suo amico tastierista, Ray Manzarek, al quale un giorno egli canticchiò un suo testo, ammettendo però di non poterne scrivere la musica in quanto totalmente inesperto nel campo.
Ma questo non rappresentò un problema per Ray, che comprendendo subito le grandi qualità artistiche dell'amico, volle formare con lui un gruppo, insieme al batterista John Densmore e al chitarrista Robby Krieger.
Il nome fu scelto dallo stesso Morrison e a suggerirlo fu un libro di Aldous Huxley: “The Doors of Perception”.
Fu così che in quel di Venice Beach, in California, nel 1965, nacquero The Doors.
Iniziarono ad esibirsi dal vivo in vari locali nella zona di Los Angeles, tra i quali il più famoso era il Whisky a Go Go, dove vennero notati da un discografico della Elektra, che ne volle produrre subito un disco.
Era il 1968 ed il primo album, omonimo, venne dato alle stampe. E fu subito un successone. Il singolo “Break on Through (To the Other Side)”, ma soprattutto “Light my Fire”, ne furono colonne portanti, insieme a “The End” facendogli conquistare le vette delle classifiche.
Un sound che miscelava jazz, rock psichedelico, blues e pop, era il segno distintivo del loro stile. Caratterizzato inoltre dalla messa in risalto della tastiera/organo (suonata spesso su toni alti) di Manzarek, che riusciva anche a sostituire il basso, strumento che in realtà mancava nella line-up della band.
Oltre naturalmente alla voce calda e mistica di Morrison e ai suoi testi che traevano ispirazione da Huxley, Rimbaud, Nietzsche e dall’uso sconsiderato di droghe e alcol.
Famose erano le loro esibizioni live, spesso molto tirate da parte di tutta la band, dove però spiccava soprattutto Morrison, a volte sotto l’effetto di allucinogeni, fonte di adulazione da parte dei fan, che lo acclamavano (e lo fanno tutt’ora) in maniera quasi religiosa, rendendolo uno dei frontman più celebri di tutti i tempi.
Altri album seguirono negli anni seguenti, che bissarono il successo del precedente e lanciarono altri pezzi indimenticabili come “People are Strange”, “Love me Two Times” , dall’album Strange Days, “Roadhouse Blues” , da Morrison Hotel, per finire con “Riders On The Storm” tratto da L.A. Woman del 1971, anno infausto per la storia del gruppo.
Erano passati solo sei anni infatti, dalla nascita della band, quando Jim Morrison venne trovato morto in una vasca da bagno, a Parigi, all’età di soli 27 anni. Le cause del decesso non vennero mai chiarite in realtà, non essendo mai stata fatta un’autopsia sul suo corpo. Ed anche il funerale fu solo per pochi intimi.
Tutto questo naturalmente contribuì a creare un alone di mistero sulla storia del personaggio e ad ampliare la sua già grandissima fama.
Il resto della band pubblicò ancora due album dopo la morte di Morrison, ma con scarso successo, fino all’effettivo scioglimento avvenuto nel ’73.
Ci furono comunque altre occasioni in cui i Doors si riunirono, delle quali però a mio parere solo due sono degne di nota: nel ’78 quando registrarono l’album An American Prayer sovrapponendo la voce registrata di Morrison (perlopiù poesie) alla loro musica, riscuotendo un discreto successo; e nel ’93 quando si esibirono per la loro introduzione nella Rock and Roll Hall of Fame con alla voce Eddie Vedder dei Pearl Jam.
Estrosi musicisti, sempre in perfetta armonia tra loro, hanno dato vita ad un sound inimitabile che il tempo non ha scalfito e che ha costituito una delle più belle pagine mai scritte nella storia del Rock…il mito dei Doors, grazie alla loro musica, di certo non morirà mai!

La Cantina del Vinile: Gerry Rafferty

2009-05-22T16:47:00.010+02:00

Questa rubrica ha sempre avuto come obiettivo quello di ridare voce ai grandi artisti scomparsi dalla scena internazionale. Gerry Rafferty è andato oltre: è scomparso da tutti. E’ introvabile. Molto probabilmente direte: "Ma chi se ne frega!". Sarebbe un errore pensare questo. E vediamo perchè.
Nato in Scozia nel 1947 da padre irlandese e madre scozzese, il desaparecido Gerry ha contribuito in maniera decisiva nel raffinare la musica pop rock degli anni ’70 regalando, con i suoi brani rasserenanti e molto delicati, un tocco di classe che definire geniale è poco. La sua voce ricorda quella di Paul McCartney, e questa somiglianza vocale rievoca nelle sue canzoni, sonorità molto vicine a quelle degli scarafaggi di Liverpool, ma anche a quelle degli Eagles.
La sua carriera artistica comincia come leader degli Humblebums (1971), e successivamente degli Stealers Wheel, gruppo fondato insieme all’amico Joe Egan nel 1972. E proprio con quest’ultimo gruppo incide Stuck in the Middle With You, brano che riscosse un ottimo successo, reso anche celebre dal film Le Iene di Quentin Tarantino.
Nel 1975 il gruppo si sciolse, e tre anni dopo, Gerry Rafferty si presenta con City to City, che si può definire come l’album di maggior successo, a tal punto da scalzare Saturday Night Fever dalla cima delle classifiche. Tra i brani presenti oltre alla magica Right Down the Line, una menzione particolare merita Baker Street. Proprio intorno a questo brano, ruota la sua fama ed anche la sua misteriosa vita. Baker Street è una famosa via di Londra, e rifacendosi a ciò scrive questo pezzo per raccontare le sue esperienze giovanili di musicista nella metropolitana della città. Il brano può considerarsi come un mix tra lo strumentale e il soft rock, dove la presenza del sassofono crea un’atmosfera molto blues che si alterna con i virtuosismi della chitarra elettrica. Riconoscerete il riff con il sax, ascoltato durante la presentazione dei Filmissimi su Canale5.
Gli album successivi non sorridono a Gerry. Il suo successo rimane ancorato a Baker Street ma questo non pesa sulla sua notorietà. Rinuncia ai concerti e alle apparizioni live, dedicandosi alla registrazione di alcuni album interlocutori.
Ma non rinuncia all'alcol. Un suo vizio dal quale non è riuscito mai a staccarsi. Nel luglio del 2008 in un albergo londinese mise a soqquadro la sua camera e dopo qualche giorno fu ricoverato presso il St Thomas' Hospital per problemi al fegato. Ma il 1° agosto 2008 scappò via e sparì nel nulla. Da allora non si hanno più sue notizie. Varie voci si sono sparse, alcune anche sulla sua presunta morte. Ma il suo portavoce smentì il tutto, rivelando che Gerry Rafferty stava bene e che voleva essere lasciato in pace. Se come dicono, i diritti di Baker Street rendono 90 mila euro annui, la pace l’ha proprio trovata.
Baker Street era anche la residenza londinese di Sherlock Holmes e pertanto, ora come non mai, il supporto dello scaltro detective sarebbe indispensabile per ritrovare il vecchio Gerry. Unico indizio? Il video del brano…

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La "voce rotta" che incanta

2009-05-19T19:01:00.007+02:00

Quanti di voi, vedendola esibire nella finale di X-FACTOR, cantando l’inedito Non ti scordar mai di me, non avranno pensato: “Bella voce, bel visino, canzone orecchiabile… Ma viene da un reality… La solita meteora, tra 2 mesi non se ne sentirà più parlare…”.
Ebbene: i due mesi sono trascorsi in fretta, il suo primo singolo, Non ti scordar mai di me appunto, ha venduto migliaia di copie, diventando il classico tormentone che si ascolta ovunque, e Giusy Ferreri è divenuta ben presto uno dei volti più noti in assoluto!
Ma come tutti sanno, raggiungere il successo non è impresa poi così proibitiva ed impossibile; difficile è mantenerlo, il successo.
Ecco perché il momento delicato, nella vita di un artista emergente, è quasi sempre il passaggio dal primo al secondo singolo… Ma l’interprete siciliana ha superato brillantemente anche quest’esame, proponendo Novembre, brano frenetico e (tanto per cambiare) molto orecchiabile, che è stato programmato in tutte le radio in maniera incessante, per mesi e mesi, facendo di questa potenziale meteora, un’interprete affermata e conosciuta ormai da tutta la nazione.
L’enorme successo di questa talentuosa cantante, ex cassiera della Esselunga in aspettativa, è scandito da quella tipologia di voce che potremmo definire “rotta”, che dispensa brividi ad ogni ascolto… Inoltre, questo suo particolarissimo timbro è supportato da una potenza vocale incredibile… Tutto ciò in un esserino di un metro e cinquantacinque centimetri di altezza per 48 kg di peso!
Successivamente a Novembre, Giusy Ferreri stupisce ancora. Il terzo singolo, estratto dall’album Gaetana, si chiama Stai fermo li; bellissima canzone introspettiva, impreziosita da un ottimo arrangiamento, che mette in evidenza le sue straordinarie peculiarità vocali.
Con questo nuovo brano, l’astro nascente conquista mari e monti… E’ il segno evidente e definitivo che una nuova valida artista è pronta ad arricchire il panorama musicale italiano.
Piovono così le ospitate, gli articoli a lei dedicati, le sterminate interviste… E piovono anche le innumerevoli copie dell’album vendute.
Ed è recentissimo l’ultimo singolo presentato dalla Ferreri, La scala; brano anche questo molto orecchiabile, facile da ricordare e dal ritornello molto piacevole.
Insomma, siamo dinanzi ad un album che non lascia spazio né alla noia né alla delusione… E’ invece un lavoro qualitativamente valido e insito di belle sensazioni da regalare.
Se i reality show sono dunque in grado di sfornare artisti di questo calibro, allora lunga vita a tali programmi televisivi; bistrattati, derisi, duramente attaccati… Ma in fondo (molto spesso) funzionali!

La musica si fa rock: Led Zeppelin!

2009-05-15T00:08:00.002+02:00

Considerati i padri dell' Hard Rock e dell' Heavy Metal, uno dei gruppi di maggior successo degli anni '70, nessun aggettivo rende l'idea di quale sia stato l'immenso valore che questa band abbia apportato alla musica.
Parliamo di una leggenda, parliamo dei Led Zeppelin.
Jimmy Page (chitarra), John Paul Jones (basso), John Bonham, detto Bonzo (batteria), dopo varie esperienze da session man, fondarono il gruppo nel 1968 insieme a Robert Plant, voce inconfondibile che avrebbe dato un marchio distintivo al loro sound originale.
Influenze blues e folk, unite ad un rock duro, caratterizzarono lo stile dei primi album: "Led Zeppelin I" e "Led Zeppelin II" consacrarono subito il successo della formazione, portandola al numero uno sia nel Regno Unito che negli USA. E pezzi come "Dazed e Confused" e soprattutto la dirompente "Whole Lotta Love" non lasciavano dubbi sulla statura artistica che questa band avrebbe rappresentato nel corso degli anni.
Il loro terzo disco, "Led Zeppelin III" (indovinate il nome del quarto!), segnò sia l'affermarsi del successo commerciale che una definitiva rottura con la critica musicale.
Ad aprire l'album un pezzo potentissimo, "Immigrant Song", nel quale la voce di Plant e la chitarra di Page sembravano unirsi in un unico strumento. Ed il resto del disco poi, lasciava spazio a sonorità molto più folk. Fatto quest'ultimo per nulla gradito alle principali riviste specializzate dell'epoca, che vedevano in questo cambiamento, una perdita di smalto nelle sonorità tipiche della band.
Ma è nel ’71 che arriva l'album capolavoro. Una produzione fantastica, che comprende anche la canzone forse più famosa del gruppo, “Stairway to Heaven”: un pezzo strabiliante, con un inizio lento, acustico, che sfocia poi in un hard rock molto tirato in puro stile Zeppelin. Il tutto ad accompagnare un testo, scritto da Plant, sui temi Tolkeniani a lui molto cari.
Famoso anche per la sua versione live, in cui Jimy Page sfoderava la famosissima chitarra dal doppio manico (a 6 e 12 corde), questo pezzo viene spesso giudicato tra i più belli che la storia del Rock ci abbia mai regalato.
Ma questo disco racchiude in sé anche una componente molto misteriosa.
A partire dal titolo, che in realtà non c'è, almeno ufficialmente. "Led Zeppelin IV" (come in seguito venne indentificato), non presenta infatti alcun titolo in copertina, e come unica firma sul retro, ha solo quattro simboli, che in realtà rappresentano i singoli membri del gruppo.
Ed è qui che il mistero si infittisce. Nonostante le ripetute smentite infatti, questi simboli sembrano essere dei riferimenti satanici e ad avvalorare questa tesi fu soprattutto la grande passione che lo stesso Page aveva per il satanismo (suo, peraltro, il simbolo più strano, rappresentato da una strana scritta: ZoSo).
Oltre poi ai messaggi subliminali che secondo molti sono inseriti in “Stairway to Heaven”: si dice infatti che un suo verso, ascoltato al contrario, contenga un inno al demonio.
Fu solo casualità? Nessuno ha mai dato una risposta a questo. Ma di certo non si può ricordare uno dei dischi più venduti e più belli della storia solo per le strane leggende ad esso collegate.
Altri cinque album (tra cui un live) vennero pubblicati nel corso degli anni settanta ed ebbero sempre un grande successo, lanciando spendidi pezzi come “Kashmir”,”Fool in the rain” e “All my love” , solo per citarne alcuni.
Fino al 1980, quando una tragedia si abbatté sulla band: John Bonham (considerato uno dei più grandi batteristi di sempre), dopo una serata passata a bere in modo sconsiderato durante una festa a casa di Page, morì per soffocamento nel letto dove era stato messo a dormire.
Molti vollero ricondurre le cause dell’accaduto all’avverarsi di una maledizione dovuta alla svolta satanista che Jimmy Page aveva portato nel gruppo.
Ma al di la delle superstizioni, purtroppo la storia dei Led Zeppelin finì in quel preciso istante: gli altri membri della band infatti decisero di non poter andare avanti senza di lui e mantenendo comunque i loro progetti solisti, si riunirono in seguito solo in pochissime occasioni, con alla batteria il figlio di John Bonham, Jason.
Come accadde l’ultima volta nel dicembre 2007, alla O2 Arena di Londra, con una storico concerto/reunion (considerato da Plant l’ultimo) per soli 21.000 fortunati fans. Molto pochi, se si considera che le richieste per i biglietti vennero fatte on-line da 20 milioni di persone in meno di 48 ore!
Un record assoluto, al quale solo una band della loro portata poteva aspirare.
Billy Joel ha detto: "Il rock è morto il giorno in cui è morto John Bonham".
Potrebbe sembrare un' affermazione un po' eccessiva, ma ascoltando la musica che i Led Zeppelin hanno lasciato in eredità al mondo, non possiamo che essere d'accordo con lui.

La Cantina del Vinile: Fine Young Cannibals

2009-05-12T02:11:00.007+02:00

Modificando un’affermazione recente, si può dire che sono belli, giovani e…cannibali. Sono i Fine Young Cannibals, gruppo pop rock britannico che prende il nome da un film del 1960, All The Fine Young Cannibals. I F.Y.C. nacquero a Birmingham nel 1984 grazie all’apporto di Andy Cox e David Steele, due ex membri di una formazione ska chiamata The Band, e dalla voce del cantante e attore provetto Roland Gift.
Nel 1985, il loro omonimo album d’esordio, Fine Young Cannibals, diede modo loro di farsi apprezzare a livello internazionale sfruttando il traino del brano Johnny Come Home, dove la voce R&B in falsetto di Gift si abbinava perfettamente al ritmo dance del pezzo. Il disco raggiunse subito la top ten ma ciò non entusiasmò i componenti della band che nel giro di qualche mese si allontanarono. Gift ritornò a provare con il cinema; il duo Cox e Steele si diede alla musica house.
Ma seguendo l’esempio di Johnny, anche i F.Y.C. tornarono a casa. Nel 1989 tornano a “divorare” le radio e le hit parade. Registrano l’album di maggior successo che li consacra in ogni angolo del pianeta: The Raw And The Cooked. A decretare il boom di questo album concorre, oltre alla ballata Good Thing, l’energica She Drives Me Crazy, brano indimenticabile caratterizzato da un crescendo musicale e dal trasformismo vocale di Roland Gift da far rabbrividire anche Linda Blair nel film L'esorcista. L’anno seguente, ai Brit Awards, ottengono il premio come miglior gruppo e miglior album dell’anno, ma rifiutano di ritirarlo per protestare contro il governo della Thatcher.
Nei lustri successivi, i Fine Young Cannibals ricomparvero con alcune raccolte senza tornare a incidere brani inediti. Saranno stati avari con la discografia, ma con She Drives Me Crazy ci hanno fatto diventare matti. E il video lo dimostra.

MogolAudio2: poesia in musica

2009-05-08T15:25:00.010+02:00

Lui rappresenta in assoluto la storia della musica leggera italiana… Il paroliere per antonomasia.
Loro sono un duo napoletano di successo, da anni oramai sulla cresta dell’onda.
Mogol (al secolo Giulio Rapetti) e gli Audio2 hanno scelto di dar vita ad un’insolita collaborazione, che rappresenta senza ombra di dubbio la sorpresa musicale di questo 2009.
La notizia circolava nell’aria già da tempo, ma ora, finalmente, si è tramutata in una bella realtà.
Il progetto prende il nome (forse un po’ scontato) di MogolAudio2; ed è la prima volta, in quarant’anni di carriera, che il paroliere milanese da il proprio nome ad un album.
Segno evidente, questo, delle forti aspettative e della passione che Mogol ha riposto nel progetto.
Da parte loro, gli Audio2 non possono che considerarsi fortunati e onorati di lavorare col celebre maestro, protagonista di mille avventure e di incommensurabili successi assieme all’amico-collega Lucio Battisti (duo compianto e irripetibile).
Mogol ha dunque impreziosito con i suoi testi le musiche scritte dal gruppo stesso, formato da Giovanni Donzelli e Vincenzo Leomporro, che esordì nel 1993, con l’omonimo album Audio2, destabilizzando un po’ tutti (e lo stesso Mogol!) per via dell’incredibile somiglianza della voce del leader con Lucio Battisti. Da non sottovalutare, poi, il fatto che gli Audio2 possono vantare diverse collaborazioni (come autori) con la voce italiana numero uno, Mina.
Il disco MogolAudio2 contiene 10 brani inediti, genere pop di matrice anni 70, con arrangiamenti di geniale modernità. Il primo singolo che apre l’album si intitola Prova a immaginare, canzone il cui testo esprime tutte le inquietudini che invadono la coppia, quando tutto sembra perfetto, ma subentra la paura che l’incanto possa dissolversi di colpo e senza un perché.
Il maestro Mogol, dunque, dopo esser diventato, già da qualche anno, in maniera stabile, l’autore dei testi degli ultimi lavori di Adriano Celentano, si rimette in gioco con gli Audio2, appunto, scrivendo un nuovo episodio della sua leggendaria e impareggiabile carriera artistica… Che speriamo sia l’ennesimo di un’ancora lunga, lunghissima storia da raccontare.

Il sound globale dei Toto

2009-05-06T22:46:00.010+02:00

Dopo aver parlato di alcuni generi che hanno rivoluzionato e ampliato i confini del mondo musicale, proviamo ora a soffermarci su un unico gruppo, che per le sue caratteristiche, è difficile da collocare in schemi ben definiti.
Ci riferiamo in particolare ad una band che già nel nome specifica l'assenza di qualsiasi classificazione: i Toto.
Era il 1976 quando, a Los Angeles, due fratelli di chiare origini italiane e dal cognome quantomeno improbabile, ossia Jeff e Steve Porcaro (batterista e tastierista), insieme al chitarrista Steve Lukather, al bassista David Hundgate, all'altro tastierista David Paich e al cantante Bobby Kimball, formarono il gruppo.
Ed il nome lo trovò Jeff:, prendendolo dal film "Il Mago di Oz", dove la protagonista, Dorothy, aveva un buffo cagnolino, che per l'appunto si chiamava Toto. Lo propose alla restante parte della band, che lo accettò aggiungendoci poi anche un significato più alto. Nell'accezione latina infatti, Toto significa "totale" , "che comprende tutto". Esattamente come avevano in mente dovesse essere la loro musica, caratterizzata sia da sonorità più rock in stile anni ’70, che da un sound molto più pulito, più raffinato, con arrangiamenti iper melodici che abbondavano di tastiere cristalline e cori polifonici.
Il primo album, omonimo, arrivò l'anno seguente, nel 1977 e fu subito un grande successo. Il singolo "Hold the Line" scalò rapidamente le classifiche e la band ricevette anche una nomination per un Grammy. Ne seguì, oltre alla pubblicazione di altri due singoli, anche un tour in America, di grande successo.
I seguenti due album invece, "Hydra" e "Turn Back", non riuscirono ad eguagliare le vendite di "Toto", nonostante la grande popolarità del singolo "99" contenuto nel primo.
Ma il successo comunque tornò con il disco seguente: "Toto IV", pubblicato nel 1982. E fu di immense proporzioni.
Canzoni come "Africa" (nel Video) e "Rosanna" furono le due principali hit che spinsero l'album in cima a tutte le classifiche, facendolo diventare un enorme successo sia commerciale che di critica e portandolo a vincere sei Grammy Award.
Gli anni che seguirono furono altalenanti, sia dal punto di vista musicale, che da quello della formazione della band stessa.
Sebbene il livello tecnico artistico dei dischi fu sempre molto alto, non sempre fu accompagnato da grandi vendite, se non in alcuni casi. E i problemi erano inoltre rappresentati da vari cambiamenti apportati nella line-up del gruppo: il cantante venne sostituito più volte e ci furono alcune defezioni e relativi subentri anche per il bassista ed il tastierista. Da ricordare comunque in questo periodo l'album "Fahrenheit", che nonostante le vendite non all'altezza, conteneva però la bellissima ballata "I'll be Over You".
Fino poi ad arrivare al 1992, anno sfortunato per i Toto, quando purtroppo Jeff Porcaro perse la vita per una semplice reazione allergica ad un pesticida che stava usando nel suo giardino.
Dopo la sua morte la band era sul punto di sciogliersi, ma grazie anche alle insistenze da parte della famiglia del batterista, e dopo aver trovato un valido sostituto, decise di continuare la sua avventura, non senza prima aver dedicato un concerto tributo all'amico scomparso, al quale presero parte numerose personalità dello star system musicale.
Avventura che attraverso varie vicissitudini dovute ancora a diversi abbandoni, ma anche a rientri, come quello del primo cantante della band, Bobby Kimball, è continuata ancora, fino alla pubblicazione dell’ultimo album, "Falling In Between", nel 2006. Produzione questa che ha ricevuto consensi sia da parte dei fan che dalla critica musicale, rinfrancato anche da un discreto numero di vendite.
E dopo il tour che ne seguì, purtroppo, diversi rumors sullo sciogliemento del gruppo iniziarono a spargersi, confermati anche dal chitarrista fondatore della band, Steve Lukather, ormai indirizzato ad una carriera da solista.
Nonostante le voci comunque, l’ufficialità di questa dolorosa separazione non è arrivata, e noi siamo ancora fiduciosi di poter ascoltare in nuovi album e nuovi concerti, quella band che lo stesso Eddie Van Halen ha definito come "collettivamente i migliori musicisti del pianeta": i Toto!

Domani 21/4.09

2009-05-06T12:10:00.010+02:00

Dalle 3.32 di questa notte, a un mese esatto dal tragico sisma in Abruzzo, si può ascoltare nelle radio italiane una nuova canzone, Domani 21/4.09, nata da un'idea di Jovanotti, Giuliano Sangiorgi e Mauro Pagani (autore del brano), che vede la partecipazione di tutto lo star-system della musica italiana.
Questo progetto mira a raccogliere fondi per la ricostruzione del teatro e del conservatorio de L'Aquila.
Il titolo deriva dal giorno in cui tutti gli artisti si sono riuniti per incidere il brano nelle Officine Meccaniche, studio di registrazione di Mauro Pagani a Milano. Ben 56 sono i big della musica italiana che hanno aderito a questa operazione benefica.
Oltre ai già citati Jovanotti, Giuliano Sangiorgi e Mauro Pagani, prestano la loro voce anche artisti del calibro di Ligabue (che apre il videoclip), Enrico Ruggeri, Tiziano Ferro, Gianni Morandi, Franco Battiato, Massimo Ranieri, Francesco Renga, Max Pezzali, Elio e le Storie Tese, Zucchero, Gianluca Grignani, Eugenio Finardi, Samuele Bersani, Morgan, Negrita, Piero Pelù, Antonello Venditti, Mario Venuti, Ron, Albano, Cesare Cremonini, Nek, Claudio Baglioni, Sud Sound System, Roberto Vecchioni, Luca Carboni, Mango, Caparezza, Afterhours, Baustelle, Bluvertigo, Casino Royale, Niccolò Fabi, Frankie Hi-Nrg, Giuliano Palma. Fra le voci femminili, anche quelle di Gianna Nannini, Giusy Ferreri, Carmen Consoli, Giorgia, Laura Pausini, Antonella Ruggiero, Caterina Caselli, Malika Ayane, Dolcenera, Elisa.
Domani 21/4.09 sarà in vendita a partire dall'8 maggio negli store digitali e, dal 15 di maggio, il cd (con la versione integrale, strumentale e il videoclip diretto da Ambrogio lo Giudice) sarà nei negozi al prezzo di 5 euro.

La Cantina del Vinile: Chris Rea

2009-05-05T01:35:00.008+02:00

Trenta milioni di dischi venduti nel mondo possono essere sufficienti per guadagnare una vetrina sul nostro blog. A questo punto dalle vostre scrivanie dovrebbe partire una standing ovation solitaria per Chris Rea. Nasce a Middlesbrough il 4 marzo 1951 (curiosamente stesso mese e giorno di Lucio Dalla) da padre italiano e madre irlandese, gestori di un chiosco di gelati. Dotato di una calda voce rauca e molto accomodante, gli è stato da sempre attribuito un blues molto artigianale che lui ama definire Blue Music che gli ha permesso di emergere nel trambusto dance e rock degli anni ottanta.
La sua carriera inizia negli anni '70 con un gruppo chiamato Magdalene ma l'esperienza dura fino al 1978 quando decide di provare la carriera di solista esordendo con Whatever Happened to Benny Santini? che conteneva la hit Fool (If You Think It's Over), brano candidato ai Grammy come canzone dell'anno. Ma il suo soft rock riscuote consensi solo in Germania e questo lo induce a meditare un abbandono.
Nel 1985 con l'album Shamrock Diaries, Chris viene notato anche in Inghilterra e si assiste a una sua nuova vita artistica. Brani come la sensuale Stainsby Girl, o la romantica e famosissima Josephine (video), canzone dedicata alla figlia, scalano in breve tempo le classifiche europee. E considerando che l'appetito vien mangiando, i successivi lavori hanno ancora un ottimo riscontro. On The Beach (1986) e la sua title track regalano un'atmosfera da "sorseggiare" come aperitivo al tramonto. New Light Through Old Windows (1988) e The Road to Hell (1989), che molti critici giudicano come il suo miglior album, consacrano Chris Rea.
Gli anni novanta proseguono con album interlocutori che non hanno un successo equivalente ai precedenti. Nel 2001 è sopravvissuto a una delicata operazione per un cancro al pancreas e nel lungo periodo di convalescenza ha prodotto l'album Stony Road. La sua forza d'animo gli ha permesso di riprendersi e di ricominciare a deliziare il pubblico internazionale con la sua musica sopraffina, nonostante i ripetuti annunci di un ritiro dalle scene.

Umberto Tozzi: Non solo live

2009-04-29T11:32:00.005+02:00

È di certo uno dei cantautori italiani più noti. Non c’è essere umano che non abbia mai ascoltato almeno uno dei suoi tanti successi: dalla celeberrima Gloria alla romantica Ti amo… Dalla “frenesia” di Stella Stai all’atmosfera sognante di Tu…
Umberto Tozzi, nel corso degli anni, ha inanellato una serie di brani-tormentoni che sono entrati di diritto nella storia della discografia italiana.
Il cantautore di origine pugliese è un artista completo: voce inconfondibile, apprezzato chitarrista e autore dei propri brani. Egli ha dato alla luce canzoni che per musicalità e bellezza hanno sempre avuto un riscontro positivo nel pubblico, che da sempre lo ama e lo segue.
Tozzi è autore anche di uno dei brani più conosciuti e apprezzati della musica italiana di tutti i tempi: stiamo parlando di Si può dare di più, presentato al Festival di Sanremo nel 1987 ed interpretato insieme a Gianni Morandi ed Enrico Ruggeri. Canzone dalla musica fortemente orecchiabile, costituita da un testo importante, tanto da essere riproposta come slogan nelle innumerevoli manifestazioni benefiche organizzate nel corso degli anni.
Umberto Tozzi, nel corso della sua lunga carriera, ha alternato brani con contenuti semplicistici , a volte quasi banali, a canzoni dotate, invece, di testi importanti, considerevoli e pregevoli.
Sia in un caso che nell’altro, però, ciò che contraddistingue ogni composizione dell’artista è l’incredibile orecchiabilità delle musiche; melodie armoniose che piacciono, divertono e si trasformano molto spesso in veri e propri tormentoni (Gloria su tutte!).
Ciò che si apprezza di Tozzi è poi anche il fatto di essere una persona “discreta”. Egli non è vittima del “presenzialismo a tutti i costi”; non te lo ritrovi ogni giorno in tv, nei vari programmi televisivi, solo per il gusto di pubblicizzarsi o di non farsi dimenticare.
Le sue apparizioni in televisione sono anzi sempre più rare, nonostante egli continui, a quarant’anni dal debutto, a sfornare lavori con una certa periodicità.
E forse proprio questo saper “dosare” la propria immagine fa sì che il pubblico non si stanchi mai di lui, ed anzi risponda sempre in modo attento ed affettuoso verso i suoi lavori.
Il 2009 ci ha regalato Non solo live, il nuovo album con cui Umberto Tozzi torna sulle scene musicali. Questo lavoro contiene un doppio cd, che raccoglie le grandi hit dal vivo (Donna amante mia, Io camminerò, Gloria, Tu, ecc), una serie di cover e ben cinque inediti, a partire dalla “tozziana” Anche se tu non vuoi.
Il tutto a significare che Umberto Tozzi è un “sempreverde” della musica italiana; e che il talento, quando c’è, non viene mai oscurato, dimostrandosi più forte anche del tempo che, impietoso, trascorre e molto spesso stravolge ciò che incontra lungo il suo cammino.

La Cantina del Vinile: Roy Orbison

2009-04-27T12:40:00.007+02:00

La musica ha il dono innato di poter dare sempre "voce" a qualsiasi interprete in ogni momento della vita. Un personaggio molto sottovalutato dalla critica e riconsiderato successivamente può identificarsi in Roy Orbison. Per aiutarvi nel riconoscimento di questo artista è sufficiente dire che è l'interprete del brano Oh, Pretty Woman (1964) che ora, probabilmente, starete canticchiando nella vostra testa ripercorrendo le scene di Richard Gere e Julia Roberts. Ma interrompo il vostro trailer cinematografico psichico focalizzando l'obiettivo sulla carriera di questo grande cantautore dall'aspetto fisico molto simpatico e poco attraente (fattore discriminatorio nella musica).
Nato nel 1936 in Texas, trova nella chitarra la sua compagna di mille avventure. Riesce a ritagliarsi uno spazio nel rock degli anni sessanta subendo la popolarità di Elvis, il quale aveva una stima fortissima verso il "collega" Roy. Ma nonostante questo, incide successi come Only The Lonely, In Dreams e la stessa Oh Pretty Woman. Proprio in quel decennio, quando la sua carriera stava per decollare, una serie di tragedie familiari lo colpiscono. Nel 1966, Roy e sua moglie Claudette escono per una passeggiata in sella alle proprie moto. Ma Claudette ha un grave incidente e muore. Due anni dopo, perde due dei suoi tre figli, coinvolti in un incendio divampato nella sua abitazione. Comincia ad attraversare un periodo poco felice che si ripercuote anche sulla sua vita artistica. Gli anni settanta sono un lento declino. Si dedica alla musica country suonando nei locali di Las Vegas e cerca di riprendersi con degli album che hanno un discreto riscontro solo in Europa. Ma come accade spesso, una giustizia divina lo fece tornare alla ribalta negli anni ottanta. Bruce Springsteen, Tom Waits ed Elvis Costello, suoi grandi fans, gli tributano un concerto a Los Angeles nel 1987 e da questo evento nasce un cd A black and white night. Nello stesso tempo si assiste a una sua rinascita e a una nuova scoperta per chi non l'aveva conosciuto negli anni sessanta.Nel 1988 fonda il gruppo dei Traveling Wilburys insieme a Bob Dylan, Tom Petty, George Harrison e Jeff Lynne che celano al pubblico la propria identità dietro il nome della band. E nel 1989 registra il suo album di maggior successo Mistery Girl dove sono presenti collaborazioni con Tom Petty, George Harrison, Bono e The Edge. Ma il 6 dicembre del 1988 anche la sfortuna torna a ricordarsi di lui. Un infarto spegne la voce di uno dei pionieri del rock e lascia un velo di amarezza e rimpianti a chi ascolta il suo album uscito postumo nel 1989. Le vendite dell'album lo portano nuovamente sulla scena internazionale trascinato dalle hits You Got It (nel video) e She's a Mystery to Me (brano scritto con Bono) e questo non può che rendere onore a un grande della musica: Roy Orbison.

Il Grunge dei Pearl Jam

2009-04-25T02:00:00.003+02:00

Dopo aver lasciato un po’ di spazio al gentil sesso, torniamo adesso ad occuparci del Rock, quello duro, dove l’uomo comunque occupa un posto predominante (spero non pensiate che io sia misogino, ma obiettivamente questa è la sacrosanta verità!).
Ed in particolare parliamo dell’uomo rude! Aggettivo molto azzeccato credo per identificare i componenti della band di cui sto per parlarvi, e più in generale di tutti gli interpreti di un movimento musicale, nato verso la fine degli anni ’80, nella città di Seattle (Nord-Ovest degli Stati Uniti): il Grunge.
Musicalmente ispirati dallo stesso Punk Rock e dall’Hard Rock, le band Grunge (letteralmente “Sporco”) avevano un look molto trasandato costituito di solito da jeans stracciati, camicia di flanella e capelli lunghi.
Il maggior successo commerciale, sicuramente fu rappresentato dai Nirvana, anche dopo la morte del leader Kurt Cobain. Ma insieme a loro (e forse più di loro) un altro gruppo fece la storia di questo fenomeno musicale: i Pearl Jam.
Sebbene i temi trattati nei testi ed il sound che caratterizzarono questa band furono perlopiù simili a quelli degli altri gruppi grunge, il valore aggiunto che li contraddistinse fu apportato sicuramente dal carisma del suo leader: Eddie Vedder.
Faceva ancora il benzinaio Vedder, quando Jeff Ament, Stone Gossard e Jack Irons in cerca di un cantante, lo contattarono proponendogli alcune loro canzoni. E ne rimasero impressionati quando videro i testi che lui aveva scritto proprio per quei pezzi.
Dopo poco il gruppo era formato. Era il 1990 quando i Pearl Jam iniziarono la loro avventura musicale. Avventura che ancora continua, nonostante nel frattempo ci sia stata qualche defezione.
Mentre risale al ’91 il loro primo album, “Ten”. Che non fu subito molto apprezzato, anzi esplose solo l’anno seguente, raggiungendo i primi posti delle classifiche americane.
Singoli come “Alive” e “Jeremy” ebbero un enorme successo fino a far diventare il disco che li conteneva uno dei più venduti della storia del Rock.
E di grande successo furono anche i due album seguenti “Vs.” e “Vitalogy”, entrambi numeri uno nelle classifiche.
L’inizio del “declino”(perlomeno commerciale) arrivò con il quarto album “No Code”, il quale segnando un certo cambiamento stilistico nella band, non accettato di buon grado da alcuni fan, raggiunse anch’esso il primo posto in classifica, ma non vendette quanto i precedenti album.
E la crisi nelle vendite continuò anche nelle seguenti produzioni, fino ad arrivare all’ultima che risale al 2002, “Riot Act”.
Disco quest’ultimo che segnò un ulteriore cambiamento sia nel sound, molto più folk, che nei testi, ispirati soprattutto da temi politici. Da ricordare in quest’album, comunque di ottima fattura nel suo complesso, lo splendido singolo “I am mine” (Video).
Come fecero i Clash, anche i Pearl Jam si contraddistinsero per il loro costante impegno sociale, sia con iniziative benefiche che attraverso l’impiego di prezzi non troppo alti per i biglietti dei loro concerti. E impegnandosi poi, soprattutto con l’ultimo album, in campo politico, scherandosi apertamente contro il presidente degli Stati Uniti George W. Bush e appoggiando nelle elezioni lo schieramento opposto.
Sono passati sette anni da “Riot Act” e ancora aspettiamo con ansia un nuovo lavoro dei Pearl Jam, rinfrancati però nel frattempo da vari album live e da escursioni soliste da parte di Eddie Vedder, soprattutto nel campo cinematografico, dove lo ritroviamo ad esempio nella colonna sonora (da lui scritta e cantata) del meraviglioso film di Sean Penn “Into The Wild”.
Non si tratta in questo caso, del sound tipico al quale ci aveva abituati, ma di canzoni molto più melodiche e strumentali che si adattano perfettamente all’atmosfera del film.
Musiche comunque di straordinaria bellezza, che ci fanno ancor più comprendere il valore artistico di questo interprete, che insieme alla sua band ha dato e darà ancora tanto alla musica rock mondiale.

Il mondo surreale di Malika Ayane

2009-04-23T13:36:00.010+02:00

Per parlare di questa giovane artista trovo che non ci siano parole più azzeccate di quelle che per lei ha speso un maestro della musica italiana, Paolo Conte.
Il quale, appunto, riferendosi a Malika Ayane, ha dichiarato: “Nel suo stile modernissimo ed insieme arcaico insinua una linfa moresca che ne inquieta nascostamente le movenze. Il colore di questa voce è un arancione scuro, che sa di spezia amara e rara”. Dinanzi a tal espressione, chiniamo il capo e… Chapeau!
Penso che le immagini così seducenti e incantevoli che Paolo Conte ha elaborato per questa giovane artista siano il commento più veritiero e poetico che le si possa dedicare.
Personalmente, sono rimasto colpito sin dalla prima sera in cui ha debuttato al Festival di Sanremo 2009. Ricordo chiaramente che l’ora era tarda… Ma quella ragazza che scendeva le scale muovendosi in modo così “artistico”, indossando un costume anni ’70 e guadagnando circa 15 cm in altezza grazie a quel paio di scarpe così esagerate, (ma che allo stesso tempo erano il puzzle mancante di una figura bizzarra e originale: la sua appunto!), non passò di certo inosservata.
Si presenta con la canzone "Come Foglie". Leggo l’autore: Giuliano Sangiorgi… La musica comincia… E sin dalle prime note qualcosa mi dice che il brano sarebbe stato di mio gradimento. Ma quella sonorità così piacevole si impreziosisce, dopo qualche secondo, di un quid aggiuntivo: quel timbro di voce che, proprio come la metafora utilizzata da Paolo Conte, innalza la mente, accompagnandola a gustare sapori forti, intensi…
Non nego minimamente di aver sperato fortemente che questa giovane artista vincesse la manifestazione (aggiudicata invece da un alieno buffo e surreale comparso sul palco dell’Ariston, cantando una filastrocca al quanto imbarazzante…). Ma di questo non ci si meraviglia più, visto che di orrori, nella storia del Festival, ne sono stati commessi a iosa!
La rivincita però, come prevedibile, non ha tardato ad arrivare. Oggi Malika Ayane è richiestissima nei programmi televisivi, e la sua canzone è presente nelle playlist di ogni canale radiofonico.
La sua interpretazione di “Come foglie” incanta e allieta per tutta la durata del brano… Malika Ayane non si limita a cantare, ma è come se fosse assorbita da un mondo parallelo in cui esistono solo lei e il microfono… Tutto il resto sembra scomparire, dissolversi.
Durante l’esibizione, le sue braccia compiono movimenti ondulatori, buffi ma eccentrici (tanto da esserle costata un’esilarante imitazione nel programma “Mai dire…”), che però si sposano perfettamente con quella voce da brivido, fino a fondersi in un turbinio di magnetiche suggestioni.
Da notare che, già prima del Festival, Malika è stata protagonista anche dell’estate 2008, cantando il tormentone “Feeling Better”, brano aromonioso e divertente che ha spadroneggiato nelle radio, per tutta l’estate scorsa, appunto.
Ultimo dato non da poco: il nuovo lavoro della giovane artista, intitolato proprio “Malika Ayane”, è un prodotto qualitativamente elevato, al quale hanno deciso di collaborare diversi autori, tra cui Pacifico (autore dei brani “Sospesa” e “Controvento”), Giuliano Sangiorgi (“Perfetta” e “Come foglie”), nonché il maestro Paolo Conte, che ha scritto per lei “Fandango”. Il disco inoltre si avvale anche dei contributi artistici di alcuni importanti nomi dell’ambiente musicale internazionale: Tom Elmhirst, Tony Cousins, per citarne alcuni.
Credo dunque che sia un peccato privarsi della buona musica che Malika è in grado di offrirci. Del resto, dinanzi ad una grande voce, ad un’intensa interpretazione e a raffinati autori, non si può far altro che chiudere le porte al caos esterno e “perdersi” in un bagno d’emozione…
Un piccolo suggerimento a Malika e alla sua casa discografica: riproporre il brano “Come foglie” in una nuova versione, in cui partecipi anche l’autore della stessa, Giuliano Sangiorgi. Siamo convinti che il connubio tra le voci, così caratteristiche e pregevoli, dei due artisti farà acquisire alla canzone (già stupenda di suo) maggiore spessore e qualità.
Grazie!

La Cantina del Vinile: Carly Simon

2009-04-21T11:41:00.012+02:00

Era doveroso dare spazio a una donna. E per non innalzare un coro di proteste del sesso maschile ci siamo subito prodigati per sopperire a questa mancanza inopportuna. Questa volta ci occupiamo di una pop star che ha fatto la storia della musica internazionale e il cui nome è presente nella Hall of Fame. Carly Simon, vi dice nulla? Se avete difficoltà, cercheremo di venire incontro al vostro orecchio musicale che non farà fatica a rammentare la sua musica e anche la sua classe. Donna splendida, elegante, carattere forte, cantautrice di spessore internazionale fu protagonista del gossip internazionale negli anni '70 e '80. Carly Simon nacque nel 1945 a New York, iniziò la sua carriera artistica in coppia con la sorella Lucy, formando le Simon Sisters. Ebbero un discreto successo fino a quando Carly, nel 1971, non decise di dare vita a una carriera da solista. La sua musica fu apprezzata fin da subito tanto da guadagnarsi i consensi del pubblico già con il suo album d'esordio That's the Way I've Always Heard That Should Be e un Grammy come rivelazione dell'anno con l'album Anticipation. Ma il 1972 fu l'anno che la consacrò a livello internazionale musicalmente e non solo. Produsse l'album No Secrets contenente il suo successo storico You're so Vain (nel video in basso), brano che ancora oggi riecheggia nelle nostre case e in moltissimi spot e che secondo i pettegolezzi dell'epoca "denunciava" la vanità di Mick Jagger dei Rolling Stones con cui aveva avuto una relazione, secondo altre fonti, di Warren Beatty o Cat Stevens. Questo fa pensare a quanto era ambita questa bellissima donna e soprattutto quanti grattacapi creava ai paparazzi. Nello stesso anno sposò il grande cantautore James Taylor con cui ebbe due figli. Negli anni successivi, Carly continuò ad avere grande riscontro tra il pubblico alternando album di grande successo ad altri meno felici. Agli inizi degli anni '80 attraversò un periodo di declino artistico che fu influenzato anche dalla separazione dal marito James e dalla malattia del figlio Ben. Ma da questo periodo seppe riprendersi; nel giro di pochi anni riuscì a fare incetta di nomination e vittorie ai Grammy Awards aiutata anche dalla presenza delle sue canzoni nelle colonne sonore di molti film. Già nel 1977 c'era stato questo connubio musica-cinema con Nobody Does it Better, colonna sonora di James Bond Agente 007 la spia che mi amava. Nel 1986, invece, la famosissima Coming Around Again canzone romantica che spopolò tra le coppiette nelle Fiat Uno e nei cinema con il film Affari di Cuore. E nel 1988, oltre al Grammy, arrivò anche un Oscar per la migliore canzone nel film Una donna in carriera, con il brano Let the River Run. Carly Simon per concludere il suo iter musicale, da qualche anno compone canzoni per bambini regalando anche a loro la meraviglia e la favola che trasmette la sua voce incantevole.

La rivoluzione Punk Rock: The Clash

2009-04-20T01:45:00.009+02:00

Lustrini, pailettes, trucco, teatralità…ricordate? Parlavamo di questo, riferendoci al Glam Rock, qualche giorno fa.

Ebbene, scordatevi tutto!! Ora si parla di Punk!
Proprio intorno al ’75-’76 (prendendo comunque spunto da sonorità sviluppatesi già dalla fine degli anni ‘60), mentre il Glam ormai era in declino, nacque, quasi a fare da antagonista a questo genere, il fenomeno Punk Rock.
All’ estrema spettacolarità e agli arrangiamenti baroccheggianti del primo infatti, si contrapposero “abiti di scena” minimalisti (t-shirt tagliate, pantaloni in pelle) e musica di forte impatto, ma caratterizzata da suoni e accordi molto scarni.
Sviluppatosi prima negli Stati Uniti, con i Ramones, primo gruppo Punk che la storia riconosca, ebbe però maggior successo nel Regno Unito, dove si contraddistinse soprattutto per i testi perlopiù politicizzati.
Qui a rompere il ghiaccio furono i Sex Pistols, che pur riscuotendo molto successo, pubblicarono solo tre album e quattro singoli, tra i quali “Anarchy in the U.K. ” e una versione oltraggiosa dell’inno nazionale inglese “God Save The Queen”.
Ma il gruppo che a detta di molti, rappresentò il Punk nel modo migliore e più alto, fu sicuramente quello dei Clash.
Joe Strummer (voce e chitarra), Mick Jones (voce e chitarra solista), Paul Simonon (voce e basso), Topper Headon (batteria), principali componenti e fondatori della band formatasi nel 1976, come i Pistols facevano della politica il tema principale su cui basare i loro testi.
Ma mentre i primi avevano una visione molto più pessimista, anarchica, rivolta ad annullare il sistema, i Clash invece si esprimevano con dei toni molto più propositivi e con idee rivoluzionarie, di sinistra.
Idee che si riscontrano già nel loro primo album omonimo, ma che emergono soprattutto nei successivi “London Calling” (dirompente il successo della title track), “Sandinista!” e “Combat Rock”, quest’ultimo contenente hits come “Rock the Casbah” e “Should I Stay Or Should I Go”.
E ammirevole fu poi il fatto che, queste ideologie, oltre ad essere espresse nella loro musica, costituivano anche la loro filosofia di vita.
Prova ne fu ad esempio il fatto che anche all’apice del loro successo, sia i loro dischi che i biglietti dei concerti, avevano sempre un prezzo molto ragionevole e infatti, in questo modo, nessun membro della band guadagnò mai cifre esorbitanti.
Ma tutto ciò non servì a scongiurare tensioni e problemi di vario genere all’interno della formazione, che dopo vari abbandoni e sostituzioni, si sciolse definitivamente nel 1986.
Ne seguirono poi varie voci per una eventuale reunion, mai confermate. Voci che comunque non cessarono, fino purtroppo al 2002, anno in cui Joe Strummer morì stroncato da un infarto, all’età di cinquant’anni.
Non morirà mai invece la sua musica, la musica dei Clash, che dopo aver rivoluzionato il rock e influenzato lo stile di molte band moderne, ancora oggi ci regala ad ogni ascolto emozioni uniche.

Concerto Primo Maggio

2009-04-18T20:03:00.006+02:00

Il concerto del primo maggio compie vent’anni e decide di farsi un regalone!
E in campo musicale non può esserci regalo più grande del ritorno, dopo dieci anni, del rocker italiano Vasco Rossi sul palco di Piazza San Giovanni.
Il Blasco nazionale, infatti, impreziosirà la manifestazione dedicata ai lavoratori, esibendosi per 40/45 minuti. La sua presenza assume poi ancor più valore, se si considera che quella del primo maggio sarà l’unica apparizione dell’artista in questa primavera.
Vasco lancia anche il tema artistico di questa edizione del concerto, intitolato “Il mondo che vorrei” (sinonimo di speranza e fiducia, in un contesto pessimista e lugubre come quello odierno), che è anche il nome della raccolta fondi che è stata istituita per assegnare borse di studio in favore degli orfani delle vittime sul lavoro. Da sottolineare il gesto dell’artista romagnolo, il quale ha donato 100.000 euro per la causa, nell’intento anche di sollecitare una maggiore attenzione nei confronti di questo problema, molto spesso sottovalutato.
A fare gli onori di casa in questa ventesima edizione sarà un grande attore come Sergio Castellitto, il quale accompagnerà sul palco una miriade di artisti.
Ed infatti, se Vasco Rossi rappresenta senza dubbio la ciliegina, bisogna però tener conto che anche la torta non è niente male! Si alterneranno sul palco, tra gli altri: il rapper Caparezza, i leggendari Nomadi; ed ancora Edoardo Bennato, Motel Connection, Asian Dub Foundation. Passando per un singolare gruppo, composto dai rappresentanti di alcune band italiane, tra cui Manuel Agnelli degli Afterhours, Gianni Maroccolo e Cristiano Godano dei Marlene Kuntz… Commistione che risulterà di certo azzeccata e vincente.
Le premesse ci sono tutte dunque, per dar vita ad uno spettacolo che, siamo sicuri, richiamerà gli amanti della buona musica, sia in Piazza san Giovanni a Roma, che alla tv, con la consueta diretta su Rai Tre. (ore 15:15 – 24).
Che lo show abbia inizio!

La Cantina del Vinile: Peter Frampton

2009-04-17T00:03:00.012+02:00

Quante volte le teenagers hanno staccato il poster del loro cantante preferito dalla rivista musicale o dal magazine che sfogliavano?? Le rappresentanti del gentil sesso a questa domanda negheranno l'evidenza. Questa idolatria cartacea non derivava solo dalle qualità artistiche del personaggio ma anche dal suo aspetto esteriore. Alla metà degli anni settanta, un cantante polistrumentista britannico abbinava queste due peculiarità raccogliendo consensi non solo tra le ragazzine ma anche tra i critici musicali grazie al suo rock leggero e talentuoso. Stiamo parlando di Peter Frampton, cantante che ha lasciato un segno indelebile nella musica rock degli anni ’70 e che come tutti i grandi artisti ha avuto una vita molto travagliata. Bancarotta, problemi di droga e un grave incidente stradale hanno segnato la sua vita senza però interferire nella sua straordinaria discografia.
Le sue prime performance giungono con i The Herd e poi con gli Humble Pie, band che si fanno apprezzare per il loro hard rock. Dopo queste esperienze, nel 1971 il poliedrico Peter decide di intraprendere la carriera di solista che lo porterà a diventare uno dei maggiori punti di riferimento per gli amanti della musica pop rock dell’epoca. Introduce un nuovo apparecchio musicale, il talk box, strumento che permette di cambiare il suono della chitarra con il movimento della propria bocca. Incide tre album in successione che gli consentono di farsi conoscere e soprattutto, di preparare il terreno a ciò che stava per giungere. Un colpo di genio si abbattè nel 1976 nel panorama musicale internazionale: Frampton comes alive!, album registrato in un concerto a San Francisco, che conquistò 6 dischi di platino tanto da essere, ancora oggi, il quarto album live più venduto nella storia. Brani come Show me the way e Do You Feel Like We Do, lasciano una sensazione di benessere e allegria all’ascolto, ricalcando i suoni del rock, arricchito di virtuosismi di pregevole fattura. Ancora oggi, i suoi concerti lasciano a bocca aperta annoverando tra i suoi fans, vecchi nostalgici e giovani scopritori della sua musica. Ma un brano che "sgomita" tra i suoi successi, facendo irruzione tra le diverse generazioni, è la sempreverde Baby, I love your way, brano che non si può descrivere ma si può solo ascoltare lasciandosi trasportare dalle emozioni che la voce di Peter Frampton regala. A voi la conferma!

Il Glam Rock

2009-04-15T10:06:00.019+02:00

La Teatralità e l'Eccesso della Musica

Quello degli anni ’70 è stato senza dubbio il decennio più importante, il più prolifico per la musica Rock mondiale.
Sebbene infatti, si aprì con la fine del gruppo che ne aveva costituito le fondamenta e ne era il simbolo indiscusso (i Beatles infatti si sciolsero proprio nel 1970), fu poi un continuo susseguirsi di sottogeneri, di nuovi sound e stili che si crearono in questi dieci anni e che avrebbero influenzato tutta la musica degli anni seguenti, fino ai giorni nostri.
E proprio agli inizi di questo decennio nacque questo nuovo fenomeno chiamato Glam Rock.
Si sviluppò soprattutto nel Regno Unito (poco negli Stati Uniti che non ne apprezzavano a fondo lo stile) e a darne il nome fu proprio la parola a cui si ispirava, il Glamour.
Fantasiosi ed eccessivi costumi di scena, lustrini, piume, paillettes, trucco pesantissimo ed una spiccata ambiguità sessuale, questo, almeno esteticamente, caratterizzava il Glam.
E la musica? -Vi chiederete-. Beh, la musica rispettava esattamente quello che era il profilo estetico: un Rock, a volte anche duro, talvolta eccessivo negli arrangiamenti ma capace di regalare anche delle splendide ballate con dei testi sbarazzini, incentrati su temi perlopiù adolescenziali, sul divertimento, sulla fama ma anche sull’amore e sul sesso.
Fondatore, capostipite di questo “movimento” musicale fu un certo Marc Bolan, ex modello, cantante e chitarrista dei T-Rex. Fu lui il primo a ricercare una certa teatralità nel cantare, nel rappresentare le sue canzoni. Album come “Electric Warrior” del ’71, ma soprattutto “The Slider” nel ’72 segnarono il debutto del Glam. E fu subito un successo colossale, paragonabile in Inghilterra solo a quello dei Beatles. Canzoni stupende come “Metal Guru”, “Children of The Revolution”, “Cosmic Dancer” fecero esplodere veri e propri episodi di isteria tra i fan e soprattutto le fan di Bolan, che lo adoravano, forse anche perché si rivedevano un po’ in lui, nel suo modo di fare, nel suo modo di vestirsi.
E le classifiche dell’epoca traboccavano di Glam!
Un altro esponente, quasi co-fondatore del genere, fu David Bowie. Proprio lui, il Duca Bianco, che nel ’72 pubblicò l’album “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars” e contemporaneamente diventò lui stesso Ziggy Stardust, improbabile personaggio, dai capelli rossi e dai costumi coloratissimi, sessualmente molto ambiguo, icona ed essenza del Glam stesso (nel video con "Starman").
Rappresentava, insieme ai Roxy Music di Bryan Ferry e Brian Eno, un’altra faccia di questo genere musicale, con un suono più ricercato e dei testi molto più ambiziosi.
Altre band e cantanti furono comunque in egual misura grandi interpreti del fenomeno: Velvet Underground, Slade, Sweet, Mott The Hoople (prodotti dallo stesso Bowie in “All the Young Dudes”), Elton John. E gli americani New York Dolls, Alice Cooper, Kiss e Iggy Pop.
Fino ad arrivare agli stessi Queen, almeno nella fase iniziale della loro carriera, che coincise con la fase discendente del Glam, del quale comunque furono esponenti di rilievo. Come dimenticare infatti, un giovanissimo Freddie Mercury in calzamaglia e paillettes, interpretare pezzi di straordinaria bellezza come “Bohemian Rhapsody”,”We Are The Champions” e “Somebody To Love”?(Per citarne solo alcuni di una immensa produzione).
Con i Queen ed il loro essere eccessivi e teatrali sia nelle musiche e negli arrangiamenti, fin troppo elaborati, che nelle esibizioni live, forse si giunse al culmine del Glam.
E con loro, intorno al ’76-’77 ebbe fine questo fenomeno, almeno come lo era stato concepito inizialmente.
La maggior parte di questi gruppi infatti si reinventarono cambiando stile, avendo ormai il Glam Rock, dato al mondo della musica tutto quello che poteva dare. Lasciandoci però in eredità uno straordinario pezzo di storia della musica che oltre ad influenzare in seguito, numerosi cantanti (come Def Leppard, Pulp, Suede, Darkness, Mika, Scissor Sisters, e purtroppo anche i Tokyo Hotel), continua ancora ad emozionarci ad ogni ascolto, facendoci rivivere quegli anni rivoluzionari, che furono gli anni ’70.

Renato Zero risponde "Presente"

2009-04-10T12:43:00.012+02:00

Diciamo la verità: tutti quanti noi, amanti della buona musica, un po’ “sorcini” in fondo lo siamo… Chi più, chi meno, ma lo siamo un po’ tutti!
E non c’è poi tanto da meravigliarsi, visto che si parla di Renato Zero, un grandissimo della musica italiana. Ed infatti, il cantautore romano, nell’olimpo dei mostri sacri, vi è sempre stato. Sin dagli esordi, quando rappresentava quel “qualcosa di ambiguo e di diverso” che allo stesso tempo stupiva ed affascinava.
Da allora tante cose sono cambiate. Il viso truccato e gli abiti alquanto bislacchi hanno lasciato il posto ad un vestiario più canonico e più sobrio.
Ma un aspetto è rimasto invariato: l’essere un leader.
Renato Zero è uno di quegli artisti a tutto tondo; uno di quelli che non passa mai inosservato e che ha sempre qualcosa da dire… E che è capace di dirlo bene, nel modo giusto, efficace.
I temi trattati nelle sue canzoni non sono mai banali, mai scontati, ma al contrario sempre attuali e coinvolgenti.
E poi Renato Zero può vantare una capacità interpretativa eguale a pochi altri suoi colleghi. Lui non canta… Lui recita!
E proprio quel suo modo di muoversi, di interpretare, e quelle sue moine facciali sono lo strumento con cui riesce ad imprimere spessore e qualità ad ogni sua esibizione. Ed è questo che lo fa amare e addirittura venerare dai suoi tanti, tantissimi fans.
Fans che oggi possono tornare ad emozionarsi, perché il loro beniamino è tornato sulla scena musicale con “Presente”, suo ultimo lavoro, comprendente 17 inediti.
Da segnalare anche il fatto che per la prima volta Renato Zero è senza casa discografica. Dopo aver rescisso il contratto con Sony-Bmg, ha deciso di fare tutto da solo; e questa sua operazione è senza dubbio ardita e rischiosa (soprattutto per quanto riguarda l’opera di promozione e distribuzione!). Vedremo se Il Re dei sorcini riuscirà nella sua ennesima sfida.
Di una cosa siamo certi: i suoi seguaci non gli volteranno certo le spalle e saranno pronti a seguirlo numerosi nei vari concerti in cui il Renato nazionale promette scintille!

La Cantina del Vinile: Cliff Richard

2009-04-08T09:06:00.006+02:00

Nella nostra cantina abbiamo recuperato un “cavaliere” che cavalca la scena internazionale da più di 50 anni.Non stiamo parlando di un fantino ma di un baronetto, Sir Cliff Richard, pseudonimo di Harry Rodger Webb, cantautore britannico nato in India nel 1940 e insignito del titolo onorifico nel 1995 dalla Regina Elisabetta. Sua Maestà avrà avuto ragioni più che valide per scomodarsi così tanto.
Collocare Cliff Richard in un preciso genere musicale è più arduo che far giocare insieme Rivera e Mazzola. La sua carriera è stata influenzata da episodi che lo hanno modificato artisticamente e interiormente.
Con la sua band, gli Shadows, dominò la scena tra la fine degli anni cinquanta e inizio anni sessanta subendo il ciclone Elvis che lo portò a scalare la vetta delle classifiche con il brano rock Move It . Ma l’avvento dei Beatles e la sua conversione al cristianesimo, provocò un’ involuzione nei suoi lavori musicali. Infatti, per due anni salì sul podio dell’Eurofestival, competizione canora molto simile alla Coppa delle Coppe, in cui partecipava un cantante per ogni nazione (Toto Cutugno ne sa qualcosa). Nonostante tutto, le vendite continuavano a premiare il buon Cliff.
Fortunatamente, nel 1975 decise di intraprendere un ennesimo percorso musicale che lo portò a realizzare brani pop-rock come Devil Woman, Dreamin’ e soprattutto We Don’t Talk Anymore (1979), ballata romantica caratterizzata da sonorità dance che divenne hit in Europa e negli Stati Uniti. Come se non bastasse, dal pop passò a dei brani molto più mielosi, mutamento che non placò l’affetto dei suoi fedelissimi fans che ancora oggi lo venerano come una vera e propria star. Ma a noi piace ricordare Cliff Richard mentre canta il suo successo ripetendo: "è così divertente il modo in cui non ci parliamo più, ma non sto perdendo il sonno nè contando le pecore…"

Pink Floyd...Wish You Were Here

2009-04-07T02:05:00.001+02:00

Nell’Olimpo dei grandi della musica Rock, loro occupano uno posto molto alto. Il loro nome è sinonimo di grandezza, di maestosità. La loro Musica può essere accostata ad un dipinto di Van Gogh o di Caravaggio. E’ Arte allo stato puro.
I Pink Floyd si formarono alla fine degli anni ’60, dall’unione di Syd Barrett (chitarra e voce), Roger Waters (basso e voce), Nick Mason (batteria) e Richard Wright (tastiere). Dal ’67 a sostituire Syd Barrett, che ormai a causa di problemi psichici causati dal massiccio uso di droghe (in particolar modo LSD), non era più in grado di comporre e affrontare concerti, venne chiamato David Gilmour (chitarra e voce); e questo nuovo ingresso portò anche un cambiamento nel sound della band.
Furono tra i massimi esponenti del Rock psichedelico e del progressive. Grandissimi sperimentatori, tra i primi a portare l’elettronica nei loro album. Famosi anche per i grandi impianti scenici e di luce, con i quali trasformarono i loro concerti in spettacoli d’arte visiva oltre che di musica.
Molteplici e grandi furono gli album prodotti dai Pink Floyd. Tra questi: ”Ummagumma”, “The Dark Side Of The Moon”, sicuramente l’album di maggior successo, e “The Wall”.
Ma vorrei soffermarmi oggi su “Wish You Were Here”.
Uscito nel ’75, subito dopo “The Dark Side Of The Moon”, ne bissò il successo, sia di critica che di pubblico, raggiungendo la vetta delle classifiche di tutto il mondo.
Molto complesso, ma formato solo da quattro canzoni. La prima, sontuosa, “Shine On You Crazy Diamond”, oltre venti minuti di durata, inizialmente composta da nove parti, poi raggruppata in due che fanno da prologo ed epilogo, e racchiudono gli altri brani del disco. Quindi, nel mezzo, “Welcome To The Machine”,”Have a Cigar”,cantata da un ospite, Roy Harper; e infine la title track, “Wish You Were Here”, bellissima ballata acustica, forse una delle canzoni più conosciute e più apprezzate del gruppo.
Concept Album soprattutto strumentale, incentrato sul tema dell’assenza, sia in senso assoluto che in particolare, di Syd Barrett, allontanato dal gruppo qualche anno prima e al quale l’album venne dedicato. E’ lui infatti il pazzo diamante, il “crazy diamond”, corrotto dal music business in “Welcome To The Machine” e “Have a Cigar” e infine ricordato e desiderato nella title track.
E la storia vuole che durante le registrazioni di questo album, proprio lui apparve in studio (forse evocato dalle parole dedicategli) e ormai calvo, ingrassato e trasandato, non venne riconosciuto subito dal resto della band. Quando gli domandarono come mai fosse in quello stato, rispose ripetendo di continuo: "Ho acquistato un grande frigorifero in cucina, e sto mangiando molta carne di maiale ultimamente”. E così come era apparso, dopo qualche tempo, misteriosamente, sparì di nuovo.
Un album davvero esaltante, che definirei molto profondo, dall’atmosfera onirica e sognante, che va ascoltato oltre che nel testo, anche con grande attenzione nella musica…E nell’assoluta tranquillità nella quale sarete avvolti, capirete infine quanto immensi e inarrivabili siano stati i Pink Floyd.

Recensione: Antonello Venditti

2009-04-05T16:54:00.011+02:00

VENDITTI E LE SUE DONNE

Le ha amate e corteggiate, osannate e inneggiate… Ne ha fatte innamorare migliaia… Ora dedica loro un’intera raccolta di suoi brani, intitolata “Le Donne”, appunto.
Antonello Venditti (inconfondibile voce, contraddistinta da quel “vibrato” che tocca l’anima, carezzandola dolcemente) raccoglie in un doppio cd alcune pietre miliari della sua lunga e prolifica carriera; trentatré brani in cui il cantautore romano rivolge il suo sguardo e il suo pensiero alle donne, muse evidenti e inequivocabili di gran parte del suo repertorio, omaggiate abbondantemente nei vari titoli nonché nei testi delle sue canzoni.
Alzi la mano chi non ha mai ascoltato e canticchiato le mitiche “Sara”, “Giulia”, “Lilly” ed ancora "Il compleanno di Cristina" (video), “Marina”, “Claudia", ecc ecc...
Come è ovvio, però, le donne conducono, per proiezione logica e naturale, all’amore … E quindi cantare le donne significa cantare l’amore…. E trattare l’amore è per Venditti come compiere un semplice respiro, fare una passeggiata al parco, accennare un sorriso.
L’amore non può più avere segreti per lui, che è riuscito a raccontarlo, innalzarlo, sviscerarlo e analizzarlo in ogni modo possibile, oramai, e in ogni sua sfumatura.
Un inno completo al sublime sentimento, dunque, si racchiude in quest’ultima opera del cantautore che, a due anni di distanza dall’ultimo cd di inediti, “Dalla pelle al cuore” (successo universale di musica e critica!), impreziosisce la sua invidiabile discografia con questa nuova raccolta.
Da sottolineare poi che questo nuovo lavoro strizza l’occhio anche ai cultori di Venditti!
Ebbene si! Accanto agli enormi e indiscussi successi già citati, infatti, l’album regala ai fan più fedeli e attenti alcuni brani nella versione originale che , pur facendo parte del repertorio del cantante, non sono quasi mai stati inseriti nelle scalette dei concerti o in altre raccolte. Parliamo di: “Sora Rosa” (prima canzone dell’artista), “Una stupida e lurida storia d’amore” ed ancora “Settembre” e “Le cose della vita”, (brani in cui Antonello si fa accompagnare dalla grande orchestra sinfonica di Sofia, diretta dal maestro Renato Serio).
E’ un lavoro completo e “gustoso” dunque, quello che Venditti offre al suo affezionato pubblico.
Ma è anche un’occasione per tutti quei giovanissimi, deviati dalle pseudo-canzoni che la realtà odierna (purtroppo!!) propone, di scoprire il significato e il valore della vera musica.

La Ballata di...Rino

2009-04-03T20:05:00.015+02:00

Dal 20 marzo trovate in vendita il doppio Cd antologico di Rino Gaetano, Live & Rarities, che raccoglie sette inediti e gli indimenticabili successi registrati in un concerto live a San Cassiano, in provincia di Lecce, nel luglio 1977. Troviamo anche le collaborazioni con Anna Oxa, Riccardo Cocciante e New Perigeo. Tra gli inediti oltre a Donde Està el Grano, spicca il brano La Ballata di Renzo. Ed è proprio di questa canzone che vi vogliamo parlare.
Rino attraverso questo “allegro” brano inciso nel 1970 e caratterizzato dalla classica ironia sarcastica e vivace che lo contraddistingue, denuncia la malasanità italiana parlando della morte di Renzo, ferito gravemente in un incidente stradale e rifiutato da tre ospedali della capitale (San Camillo, San Giovanni e Policlinico).
Dopo undici anni il testo di questa canzone si rivelò profetico. Rino morì il 2 giugno del 1981 in un incidente stradale. Il tragico destino volle che il cantautore mentre versava in gravi condizioni, allo stesso modo di Renzo venne rifiutato da ben cinque ospedali, tre dei quali erano gli stessi menzionati nel brano.
Una casualità che lascia esterrefatti e che non cancella i punti interrogativi sulla sua morte.
Ma Rino aveva previsto qualcosa anche per noi. La citazione che segue lo dimostra.
« C'è qualcuno che vuole mettermi il bavaglio! Io non li temo! Non ci riusciranno! Sento che, in futuro, le mie canzoni saranno cantate dalle prossime generazioni! Che, grazie alla comunicazione di massa, capiranno cosa voglio dire questa sera! Capiranno e apriranno gli occhi, anziché averli pieni di sale! »

Franco Battiato

2009-04-02T11:37:00.009+02:00

"Fleurs" di primavera

Il binomio Musica-Beneficenza, si sa, risulta in ogni sua forma sempre ammirevole e vincente. Specie se protagonista dell’evento in questione è un mostro sacro della musica italiana, Franco Battiato. Il 4 aprile, alle 21, il Politeama Greco di Lecce diventa dunque scenario di una serata che si preannuncia spettacolare. Il cantautore siciliano presenterà infatti il suo nuovo lavoro, “Fleurs 2”, e il ricavato del concerto sarà devoluto in favore del Fai (Fondo ambiente italiano) nella sua opera di sensibilizzazione dei cittadini nel sostegno dell’arte, della natura e dell’ambiente italiani.
La serata del 4 aprile farà parte della tournèe 2009 di Battiato, il quale porterà nei più importanti teatri italiani i nuovi brani contenuti nella raccolta “Fleurs 2”, appunto. Lavoro che racchiude una serie di famose canzoni portate al successo da grandi cantanti italiani ed internazionali, rivisitati e reinterpretati in modo suggestivo dalla bravura del maestro Franco Battiato. Artista eclettico capace, come già ampiamente dimostrato in altre occasioni, di donare nuova luce, spessore e nuovi arrangiamenti a brani resi celebri dai suoi colleghi ed amici autori in tempi passati.
Numerose ed intense dunque le canzoni che Battiato eseguirà durante questo tour: da “Il venait d’avoir 18 ans” a “L’addio”, da “Era d’estate” a “Et maintenant”, passando per “E più ti amo”, fino al suggestivo inedito dello stesso Battiato “Tutto l’universo obbedisce all’amore”.
Il concerto registra già il tutto esaurito, a conferma del fatto che la vera arte può e deve convivere con le iniziative benefiche, e che tale commistione viene apprezzata e lodata da un pubblico sempre più partecipe e attento.

La Storia della Musica

2009-04-01T00:30:00.018+02:00

I Queen sono il miglior gruppo rock che la Musica abbia mai avuto!
Ma non è di questo che vi voglio parlare in questo mio primo articolo musicale sul blog. Ci tenevo solo a precisarlo (da grande fan quale sono).
Detto ciò, per ora parliamo d’altro. La Storia della Musica è impreziosita da molteplici pagine superlative.
Parliamo per esempio di Jeff Buckley, voce e penna sopraffina della musica rock targata anni ’90.
Credo che questo artista, nonostante sia un personaggio di culto tra gli appassionati, non abbia mai raggiunto il grande pubblico, come avrebbe meritato. Forse a causa della sua troppo breve, se pur intensa, carriera artistica, stroncata dalla morte avvenuta nel 1997 a soli trent’anni.
Passa un’infanzia un po’ difficile Jeff Buckley, segnata dall’abbandono del padre, anch’egli cantante. Si avvicina molto presto al mondo della musica e dopo svariate esperienze, riesce a portare a termine il suo primo ed unico album, GRACE, edito nel 1994.
Album profondo, osannato dalla critica, caratterizzato da una voce inarrivabile, da testi splendidi e melodie divine.
Undici tracce che scavano nel più profondo dell’anima e rimangono dentro per sempre. Brividi assicurati ad ogni acuto, ad ogni “schitarrata” del grande Jeff.

Da segnalare “Last Goodbye”, “Hallelujah” (cover di Leonard Cohen), “Lover, you should’ve come over”. Ma soprattutto la title track, “Grace”, canzone indescrivibile, un crescendo eccezionale di chitarre e voce, sempre più emozionante, fino ad arrivare ad un finale a dir poco esplosivo!
Inizia poi a lavorare al nuovo album, ma varie difficoltà lo inducono a mandar via la band con cui registrava, rimanendo nella città di Memphis a comporre in solitudine.
Il 29 maggio 1997 mentre andava ad accogliere il gruppo che nel frattempo aveva richiamato, arriva in anticipo all’aeroporto, insieme ad un suo amico. E qui succede l’inspiegabile. Completamente vestito entra nel vicino fiume e lentamente si allontana. Non ne farà più ritorno.
Se fu un suicidio o un incidente ancora nessuno lo sa. Di sicuro quel giorno segnò la perdita di un grande genio musicale, che aveva ancora molto da dire.
Bono degli U2 lo ha definito "Una Goccia Pura in un Oceano di Rumore". Ottimo modo per descriverlo.
Vi consiglio allora di apprezzarlo nella sua opera migliore…Sedetevi in potrona, indossate le vostre cuffie e gustatevi Grace! Sarà un’esperienza soprannaturale!

La Cantina del Vinile: Danny Wilson

2009-03-31T01:41:00.007+02:00

Questa rubrica è una finestra ed anche un pozzo luce sul passato della musica internazionale. Anzi, è una cantina: La Cantina del vinile. Cercheremo di riscoprire o di scoprire, a seconda delle generazioni coinvolte, interpreti che nei decenni scorsi hanno scosso il panorama della musica internazionale e che ora sono caduti nel dimenticatoio per svariate ragioni. Troveremo questi dischi segnati dal tempo e offuscati dall'umidità nella nostra cantina virtuale e con un panno pulito ridaremo "voce" a chi ora respira muffa e polvere . Un modo per regalare un momento di gloria o di riscossa…forse.
Come prima puntata cercheremo di non essere devoti nei confronti di nessuno. Partiremo con i Danny Wilson."E chi è??", vi chiederete…Sbagliate!Dovete chiedervi…”E chi sono??” Il nome non indica un individuo ma un gruppo, costituito nel 1984 dai fratelli scozzesi Gary Clark (voce) e Kit Clark (chitarra) e dal loro amico Ged Grimes (bassista). Il loro nome nasce dal titolo di un film interpretato da Frank Sinatra, Meet Danny Wilson. Parlare del look equivale a parlare dei modelli che appaiono oggi negli spot tv di shampoo e balsamo. Capelli cotonati e sguardo da mollicone.
L’apice del loro successo lo si ha nel 1987 con il brano Mary’s Prayer, ballata pop carica di energia positiva nonostante il titolo lasci pensare a un canto gregoriano. Questo brano fu inserito, anni dopo, anche nella colonna sonora di Tutti pazzi per Mary. Dopo pochi anni di attività il gruppo si è “sciolto”, si è liquefatto nel liquido che fuoriesce dalle pile dei walkman.
Vi consiglio di indossare un paio di pantaloni a zampa di elefante o una camicia Fiorucci colma di colori da favorire il daltonismo, mettervi comodi sulla vostra sedia di vimini e ascoltare il loro successo…sperando che Mary’s Prayer aiuti loro a ricomparire…Preghiamo!

Recensione: Gianna Nannini

2009-03-30T11:59:00.034+02:00

GIANNA TORNA COL SUO "DREAM"

La voce femminile italiana più sensuale torna a far sognare! A cominciare infatti dal titolo dell'album, "GIANNADREAM" appunto, la Nannini parla dei suoi sogni, definendoli come " il transito ad una realtà parallela, in cui il nostro io talvolta si trasferisce, e che non ci appartiene di meno". Una Gianna qausi più intimistica dunque, che in questo nuovo lavoro rivela un pò della sua dimensione metafisica.
Il primo singolo estratto dall'album si intitola "Attimo", una canzone ricca di melodie " alla Nannini", dall'impatto immediato.
Gianna Nannini ha già da tempo dimostrato la qualità della sua musica, imponendosi di diritto nell'olimpo dei grandissimi.
La sua voce rockeggiante e sexy al tempo stesso si sposa perfettamente con la musicalità delle sue composizioni (sempre superlative!), regalando forti suggestioni nell'animo di chi ascolta.
Ritorna poi il duetto col rapper Fabri Fibra, nel brano "Siamo nella merda"; è la seconda volta infatti che i due si incontrano musicalmente, segno di un forte sodalizio artistico.
Dopo gli enormi risultati ottenuti con "Grazie" nel 2006, Gianna Nannini è dunque pronta a bissare il successo, confermandosi come una delle realtà migliori del panorama musicale, non solo italiano ma anche internazionale!

Recensione: Stadio

2009-03-27T11:00:00.004+01:00

UN DILUVIO UNIVERSALE SQUARCIA QUESTA PRIMAVERA

La bella stagione tarda ad arrivare e quindi lo scenario è perfetto per il DILUVIO UNIVERSALE degli STADIO!
La leggendaria band è tornata infatti (a due anni da "Parole nel vento") con un nuovo disco di inediti. Tanta l'attesa (almeno la mia!!!) per questa nuovo lavoro, che si preannuncia scoppiettante e dirompente già dal titolo, suggerito al leader del gruppo dall'amico di sempre Vasco Rossi (e non uno qualunque!); il quale firma anche il testo della title-track, su musica di Gaetano Curreri.
Sin dal primo ascolto si comprende chiaramente che ci si trova di fronte ad un ottimo prodotto: 12 canzoni che variano dal sociale e dai problemi che affliggono il nostro tempo, all'immancabile tema dell'amore sviscerato con cura nelle sue mille sfaccettature (un gioco da ragazzi ormai per gli Stadio!).
Tra tutti i brani spicca il primo singolo, attualmente in radio, GIOIA E DOLORE; canzone tipicamente "stadiana", con un ritornello piacevole che resta da subito impresso nella testa!
Degno di nota anche NON SI ACCORGERA', brano in cui si mettono a nudo i problemi a cui va incontro la coppia dopo l'allegria e la estrema felicità dei primi periodi.
Ma il nuovo cd degli Stadio non si fa mancare nulla: in due brani, infatti, Curreri si esibisce con ospiti d'eccezione! In RESTA COME SEI, è il giovane Fabrizio Moro (cha ha partecipato anche alla stesura del brano) ad accompagnare il cantante in un intenso duetto; le due voci si fondono bene e il risultato raggiunto è notevole.
CORTILI LONTANI, invece, vede la presenza, assieme a Gaetano Curreri, del coautore di tutti i brani dell'album, Saverio Grandi.
Un album davvero di qualità, dunque, che vale la pena comprare ed assaporare con attenzione.
Soddisfatti o rimborsati! (scherzo!!!!!)

Salve a Tutti...

2009-03-27T01:19:00.003+01:00

Finalmente abbiamo un Blog!
Di cosa si parlerà? Beh sicuramente non di politica (o si?!). Il titolo comunque non credo lasci spazio a dubbi: la Musica sarà il nostro argomento principe. Quale Musica? Tutta. O almeno quella che ci piace!
Siamo un gruppo di amici, con una passione in comune (ascoltare la Musica appunto) e abbiamo deciso di condividere sul web le nostre idee, i nostri pensieri, i nostri gusti...
Cercheremo di divertirci e naturalmente saremo ben contenti se qualcuno vorrà leggere i nostri post e perché no, anche commentarli!

"L'ennesimo blog! Ce n'era proprio bisogno?!" direte voi... Assolutamente si!!!